Oggetto di questo scritto è lo studio del movimento che risponde a quella che è stata da esso stessa definita come "cultura DiY". Per cercare di comprendere i molti significati che si celano dietro questa sigla è meglio partire dal suo significato più stretto. "DiY", in origine abbreviato D.I.Y., significa do it yourself frase, o per meglio dire slogan, inglese che si potrebbe in primo luogo tradurre rozzamente come "fallo da te". In realtà in Italia si usano due termini che rendono molto più efficacemente l’idea di quello che questo slogan vuole esprimere: "autoproduzione" e, per estensione, "autogestione".

In questa presentazione del movimento partiremo proprio da questi due concetti. Ruolo chiave per la cultura del DiY è l’autoproduzione di tutti i propri supporti culturali e informativi che sono principalmente dischi, libri e fanzines. Le fanzines sono giornali autoprodotti da persone che cercano di dare una mano alla propria scena intervistando gruppi, recensendo materiale autoprodotto e soprattutto diffondendo le proprie opinioni su argomenti di stampo politico e sociale. Le fanzines sono fondamentali per la sopravvivenza del DiY, in quanto esso non trova spazio sulle pubblicazioni ufficiali. Esistono migliaia di fanzines, estremamente diverse fra loro sia per quello che riguarda i contenuti e il formato (accanto ad una maggioranza di "fanze" fotocopiate e distribuite in poche centinaia di copie, ne esistono anche alcune stampate in tipografia, con tirature che sorpassano le migliaia di copie, che in alcuni casi diventano dei veri e propri punti di riferimento), sia per longevità. L’autoproduzione è un concetto che è stato introdotto nei primissimi anni Ottanta da uno storico gruppo musicale anarchico e pacifista: i Crass. Provenienti da esperienze di stampo post hippie (alcuni membri del loro collettivo parteciparono all’organizzazione dei primi festival di Stonehenge), i Crass ebbero un effetto dirompente sulla scena punk di quel periodo, tanto che tuttora vengono ritenuti il più importante gruppo DiY punk mai esistito.  È bene infatti sottolineare subito come spesso ci si dovrà misurare con termini che hanno più significati e che possono creare confusione in quanto ampiamente metabolizzati dall’opinione pubblica. In questo caso, per esempio, quando si parla di punk l’immagine comune è quella di giovani scapestrati dall’attitudine marcatamente nichilista, autolesionista e teppista. Questo era più o meno il quadro col quale si confrontarono i Crass nei primissimi Ottanta. Tale è comunque l’immagine che tutt’oggi sopravvive negli ambienti estranei al DiY, ed è proprio per evitare una simile confusione di termini che, in maniera sempre più evidente negli ultimi anni, il termine DiY si sta facendo strada. Tornando all’esperienza "crassiana", che verrà analizzata analiticamente nel prossimo paragrafo, essi ebbero il merito di introdurre la pratica dell’autoproduzione in reazione all’industria discografica che, allora come oggi, cercava di influenzare a scopo commerciale la musica e le idee degli artisti sotto contratto.  I Crass fondarono una propria etichetta musicale autogestita, la Crass Records, e cominciarono a diffondere i propri prodotti culturali (oltre a dischi stamparono anche libri) a prezzi molto vicini alle spese di produzione. Ciò permise la diffusione di un altro concetto molto importante nel DiY: il No Profit. Tutti i materiali culturali autoprodotti vengono venduti a prezzi estremamente bassi, che garantiscono comunque un piccolo profitto che viene reinvestito nella propria attività: "…un esempio potrebbe spiegarti meglio come funziona: stampare un CD in mille copie mi costa sulle 5000 lire a CD comprensivo di copertina a colori eccetera. Tieni presente che io mi appoggio a strutture esterne per tutto quel che riguarda la stampa e le altre operazioni che mi servono. Una major queste strutture le ha in casa, quindi non mi stupirei affatto se una copia le costasse al massimo 2000 lire o meno (…) Ma il vero scandalo sta nel prezzo. Io rivendo a 12000 o massimo 15000 (ed è già tanto…) i dischi che autoproduco, mi spieghi perché le major vendono i loro dischi, costati la metà dei miei, a 40000 lire?".  Ma l’autoproduzione non è solo un modo per livellare i prezzi di vendita ma, soprattutto, è il modo più efficace per mantenere la propria indipendenza dalle pressioni che le case discografiche fanno sugli artisti al fine di commercializzare la propria musica per poter avere un prodotto più vendibile. Principalmente la vera differenza si gioca proprio qui: per una grossa casa discografica il disco è un "prodotto", una merce su cui investire. Per l’artista è invece un mezzo per comunicare agli altri il frutto della propria creatività che, in quanto manifestazione di libera espressione, non accetta di essere manipolata. Ma oltre che artistico, lo sfruttamento dell’artista da parte della major (grossa etichetta discografica) avviene anche in campo economico. L’aspetto è ben messo in evidenza da un comunicato fatto circolare da Courtney Love, cantante chitarrista (nonché attrice) del gruppo rock alternativo Hole sotto contratto per la major Geffen. "Le case discografiche hanno una percentuale di successo bassissima, il 3%. (…) come fanno le case discografiche a cavarsela con una percentuale di fallimento pari al 97% - una percentuale che sarebbe completamente inaccettabile in qualsiasi altra industria? Le case discografiche si tengono quasi tutti i profitti. Gli artisti discografici vengono pagati soltanto una minima frazione dei soldi generati dalla loro musica (generalmente solo il 7% dei profitti nel caso di artisti affermati, per esempio i Litfiba, storico gruppo rock italiano. Max Gazzé, cantautore affermato, ha dichiarato di guadagnare solo duemila lire a CD venduto. NdA). Questo permette ai manager delle case discografiche di essere molto approssimativi nei modi in cui dirigono le loro aziende pur consentendo loro la possibilità di produrre una quantità enorme di capitali per le multinazionali alle quali appartengono. Le percentuali di diritti (royalties) che le case discografiche garantiscono agli artisti sono già bassissime alla radice. Su questo le case discografiche sottraggono anche il minimo costo dal totale dovuto agli artisti. A questi infatti vengono addebitati i costi di registrazione, i costi di produzione dei video, i tour, le promozioni radiofoniche, i costi di vendita e marketing, i costi di packaging e molte altre cose. Le case discografiche spesso riescono ad abbassare i diritti dovuti ai loro artisti "dimenticandosi" di notificare le vendite, "sbagliando" il calcolo delle royalties e naturalmente impedendo agli artisti accesso ai libri contabili dell’azienda. (…) Migliaia di artisti discografici che hanno venduto centinaia di milioni di dischi durante la propria carriera generando miliardi di dollari in profitti per le loro case discografiche si trovano sul lastrico e dimenticati dalla stessa industria che hanno reso ricca."  A completare il già sconfortante panorama vengono aggiunti alcuni esempi: "Artisti multi-platino come TLC e Toni Braxton sono state costrette a dichiarare fallimento perché i loro contratti non gli permettevano di guadagnare abbastanza per sopravvivere" /// "Florence Ballard delle Supremes (che piazzarono molte hits al primo posto delle hit parade) è morta percependo il sussidio minimo di disoccupazione. /// "Accordi corrotti hanno costretto gli eredi di Jimi Hendrix a fare lavori umili mentre il suo catalogo generava milioni di dollari all’anno per la Universal Music." /// "I Collective Soul non hanno guadagnato praticamente niente da Shine, uno dei più grandi successi di rock alternativo durante gli anni ’90, visto che la Atlantic ha pagato quasi tutte le loro royalties a una casa di produzione esterna." /// "Merle Haggard ha avuto una serie di 37 singoli nella top-ten country durante gli anni ’60 e ’70. Non ha mai visto un dollaro fino all’anno scorso (2000), quando ha pubblicato un album sull’etichetta indipendente di punk-rock, Epitaph."--  Il desiderio di indipendenza dal mercato discografico non si ferma alla semplice produzione dei propri materiali culturali. Dagli anni ‘80 in poi il DiY si è strutturato in una rete sempre più fitta di piccole e grandi distribuzioni di materiale autoprodotto che hanno il merito di diffondere localmente materiali altrimenti introvabili.  Quando i Crass cominciarono ad autoprodurre i propri dischi, dovettero comunque appoggiarsi alla rete di negozi specializzati e non. Da questa necessità nacque l’abitudine di pubblicare il prezzo imposto in copertina, pratica che si impose su tutte le autoproduzioni del collettivo e venne successivamente adottata da tutte quelle persone che ne seguirono l’esempio. Oggi il DiY si è strutturato attorno ad una vitalissima rete di distribuzioni che hanno totalmente eliminato il circuito "ufficiale" dei negozi e dei grossi distributori dove spesso, nonostante il prezzo imposto, non sarebbe possibile effettuare un efficace controllo. Può essere utile analizzare più a fondo come funziona l’autoproduzione al fine di rilevare come fiducia, onestà e cooperazione siano parte importante del sistema che regola il circuito autogestito.  Le piccole distribuzioni generalmente iniziano con un’autoproduzione o una coproduzione che consiste nello sforzo congiunto di più piccole etichette che partecipano alla produzione dello stesso disco spartendosi alla fine le copie prodotte (in media un disco autoprodotto viene stampato in mille copie, a meno che non si tratti di un gruppo piuttosto noto). Una volta ottenute le proprie copie, l’autoproduttore prende contatti con altre etichette DiY sparse nel mondo. Propone uno scambio e, se viene accettato, invia per posta le sue copie e attende in cambio le copie dell’altra etichetta. I contatti si possono reperire nelle fanzines leggendo annunci, recensioni o interviste. Oppure visitando qualche sito internet o passando in rassegna i flyers (volantini) che in genere accompagnano le lettere o i pacchetti postali che si ricevono. Una volta ottenuto una certa quantità di dischi differenti, il piccolo distributore può improvvisare banchetti ai concerti, creare cataloghi, costruire un sito e via dicendo.  I prezzi per tutte le distribuzioni / etichette si aggirano da anni attorno ad un certo standard tanto che negli ultimi anni molti gruppi non ritengono più necessario mettere il prezzo imposto, dato che è lo stesso circuito DiY a garantire prezzi bassi e accessibili. In questo contesto si inserisce anche la critica al copyright e ai diritti d’autore. Tesi base del DiY è che la cultura, l’arte e l’informazione dovrebbero essere libere da vincoli e da interessi commerciali. Il copyright nasce per preservare il diritto di proprietà sulle opere dell’ingegno dei singoli artisti. Ma tale diritto, in realtà, esiste per poterne rivendicare l’esclusività dello sfruttamento commerciale ben in contrasto con qualsiasi finalità artistica. In reazione a tutto ciò la totalità delle produzioni DiY sottolineano fieramente la loro estraneità a tutto questo, non solo riportando la scritta No copyright su dischi, libri e via dicendo ma anche invitando chiunque a usare, riutilizzare ed abusare del proprio materiale incoraggiando lo scambio e l’evoluzione contro la competizione e lo sfruttamento. Un comunicato di critica alla S.I.A.E. (Società Italiana Autori Editori) emesso dal Barocchio Occupato, squat torinese, fornisce una efficace critica al copyright ed al suo ruolo nello sfruttamento commerciale delle opere dell’ingegno. "La S.I.A.E. è un’istituzione parassita istituita dallo Stato italiano nel ventennio fascista. Nasce dall’idea che la libera espressione si possa trasformare in merce da comprare e da vendere. Da qui la pia e impiegatizia illusione di molti autori di poter vivere con le gabelle imposte dalla SIAE ovunque si oda qualche nota o si sfogli un libro. In realtà i privilegiati sono pochi e, come si può facilmente intuire, i soliti trust editoriali e discografici e i loro autori ‘dipendenti’ più famosi.  Tutti gli altri non vedono il becco di un quattrino o cifre irrisorie. In questo modo la SIAE si rivela per quello che è: un grosso carrozzone burocratico dedito all’estorsione capillare per foraggiare il redditizio business della cultura. Il sogno dei burocrati della SIAE è quello di poter controllare e salassare ogni più minuta forma creativa e reprimere ogni espressione che non si sottomette alle loro imposizioni. Per questo, dai balli al palchetto nei paesini più sperduti ai concerti negli spazi occupati, si infiltrano agenti più o meno segreti della Società Italiana Arraffa ed Estorci, compilando verbali, veramente impagabili, di decine di milioni. Il risultato è la repressione sistematica della libera espressione attraverso l’estorsione dell’ennesima tangente di Stato. Noi non vendiamo ciò che abbiamo di più intimo, lo regaliamo o preferiamo sprecarlo."

Il desiderio di autonomia non si ferma alla semplice autoproduzione. Gli "eventi" inerenti alla cultura del DiY ruotano attorno a spazi "liberati" dove non trovano posto promoter, organismi governativi, poliziotti e qualsiasi altra forma di controllo sulle proprie attività. La cultura del DiY è strettamente legata a tali luoghi dove vengono organizzate le proprie attività, siano esse un concerto, un rave o una riunione / dibattito politico sociale. Tali spazi "liberati" si dividono in due grandi tipologie: permanenti e temporanei. Gli spazi liberati permanenti (Permanent Autonomous Zone) sono essenzialmente le case occupate, gli squats. Spesso usate come vere e proprie abitazioni dal collettivo che le ha occupati, esse rappresentano il teatro principale per gli eventi DiY in quanto garantiscono la condivisione della stessa visione politica, prezzo politico all’ingresso (quando c’è), ospitalità e via dicendo. Se i concerti e gli squats sono principalmente il teatro degli eventi punk crust, sarà merito dei traveller, dei raver e degli attivisti che si ispirano all’azione diretta che prenderanno sempre più piede le Temporary Autonomous Zone (T.A.Z.) e cioè spazi, spesso capannoni abbandonati, boschi o parchi, occupati temporaneamente per poter organizzare feste e / o azioni politiche. Tale distinzione risponde principalmente al fatto che i traveller e le tribe (i collettivi raver) adottano uno stile di vita nomade spostandosi in grossi automezzi trasformati in abitazioni, mentre i punk crusties sono in generale più legati alle occupazioni. In realtà, lungi dall’essere due realtà distinte, esse si influenzano sempre più. L’organizzazione degli eventi DiY in ambienti ideologicamente affini risponde anche all’esigenza di instaurare relazioni vere con il posto e le persone che lo gestiscono e di non vedersi inseriti in un mero contesto commerciale del tipo: gruppo / organizzatore / pubblico. Tali barriere, così tipiche tanto nel circuito commerciale che in quello cosiddetto "alternativo", sono state abbattute con successo nel DiY. Tutti si danno da fare come possono, non esistono rock star o figure del genere (gruppi o atteggiamenti del genere verrebbero immediatamente boicottati ed esclusi). "Un concerto DiY è un’esperienza molto diversa da quella alla quale lo star system ci ha abituato. In un concerto DiY non c’è divisione fra pubblico e gruppo, spesso anche il palco viene eliminato (…) ti può capitare di stare a parlare per un po’ con qualcuno che di lì a poco sale sul palco a suonare. Quando finisce scende e tornate a chiacchierare per un po’ fino a quando, oh cavolo, tocca a te!" L’organizzazione di concerti o feste è sempre fatta seguendo uno spirito amichevole e informale appoggiandosi alla fitta rete di contatti, postali o telematici, che anima il sottobosco underground DiY. Per capire meglio può essere utile riportare alcune delle richieste tipiche di un gruppo in tour tratte da una lettera del 1994 del gruppo punk crust belga Hiatus: "Gli HIATUS (Punk/Crust band dal Belgio) stanno preparando un tour attraverso Italia, Grecia, Francia e Svizzera per aprile 1994. Ti scriviamo questa lettera per chiederti se potresti aiutarci ad organizzare una o più date nella tua città o nei dintorni. (segue una lista di parte della strumentazione che possono portare con loro e di quella che sarebbe utile trovare sul posto. NdA). Così sarebbe bello suonare con un gruppo locale che sia d’accordo a prestarci parte della strumentazione, in cambio possiamo prestare loro la nostra. Per quello che riguarda il cibo siamo 5 membri e tutti vegetariani. Se possibile, qualcosa da bere sarebbe molto gradito (birra e vino, aranciata e acqua). Ci piacerebbe anche avere una stanza dove dormire la notte dopo il concerto. Porteremo con noi i nostri sacchi a pelo. Per il pagamento spereremmo di ricevere circa 200 dollari ma se è troppo anche meno va bene. Altrimenti se viene tanta gente anche qualcosa in più non sarebbe male in modo da poterci pagare la benzina e il traghetto per la Grecia.". L’offrire una stanza per dormire, un prezzo che in realtà è un rimborso spese, cibo vegano e una gran dose di ospitalità sono diventate delle garanzie quando il concerto si svolge in uno squat, tanto che ormai sono date per scontate. Grazie al clima che si instaura il concerto smette di essere uno spettacolo fine a se stesso fruito in mezzo ad una massa di persone indifferenti le une alle altre. Esso diventa un momento di intensa socialità e comunicazione, parte integrante "(…) del prima, quando magari si mangia assieme o si va in giro col gruppo e ci si conosce meglio, e del dopo quando si fa baldoria e poi… tutti a nanna!"

1.1.3. DiY come pratica di liberazione

In questo contesto di rivendicazione della propria autonomia sia attraverso l’occupazione di aree cadute in disuso e la conseguente autogestione, sia attraverso l’autoproduzione e distribuzione delle proprie forme d’espressione, si inserisce una forte politicizzazione di stampo anarchico ed ecologista. I concetti ispiratori della cultura del DiY verranno analizzati in dettaglio nel corso dei prossimi paragrafi e del terzo capitolo. In questa sede li passeremo velocemente in rassegna per cercare di dare un’idea generale del pensiero politico del movimento. Centrale e molto sentita è la lotta alle discriminazioni sia che siano legate all’appartenenza a diverse culture o etnie sia che siano legate a differenze di gender e/o preferenze sessuali. Partendo da quest’ultimo concetto è ritenuta fondamentale la libertà di scelta unita alla possibilità, negata dai valori bigotti della nostra società, di poter amare liberamente anche persone del proprio sesso.  La lotta al sessismo viene portata avanti sia cercando di contrastare ignoranza e pregiudizi sia come profonda critica alla società patriarcale, causa essa stessa di violenze e discriminazioni. L’opposizione al razzismo permette di introdurre un altro concetto ad esso in parte correlato e di fondamentale importanza nel DiY: l’antifascismo. Essendo un movimento di ispirazione anarchica che rifiuta ogni tipo di gerarchia, il DiY osteggia tutte le forme di aggregazione a rappresentanza politica in particolar modo quelle totalitarie quali fascismo e comunismo. Ma se quest’ultimo viene "tollerato", probabilmente per parziale comunanza di obiettivi, l’antifascismo è un sentimento fortemente sentito. Nazionalismo, xenofobia, largo uso di violenza e forme repressive, nonché la sempre più evidente commistione tra la destra e gli interessi capitalistici fanno dei fascisti dei nemici di prim’ordine e slogan come bash the fash ("picchia il fascista" da una nota canzone del gruppo punk anarchico scozzese Oi Polloi), nazis raus (nazisti andatevene) o kill the nazi (uccidi il nazista) rendono piuttosto chiaramente l’odio nutrito nei loro confronti. Non è da dimenticare infatti come le sue frange più estreme, i tristemente noti naziskin, costituiscano un pericolo reale e quotidiano coi loro attacchi, alcuni purtroppo terminati con omicidi, a minoranze e case occupate. Il DiY è un movimento fortemente anticapitalista che si esprime principalmente nella lotta alle multinazionali e al consumismo. Le multinazionali vengono viste come principali sfruttatrici delle risorse dell’ecosistema siano esse naturali, animali o umane. Uno sfruttamento dissennato volto solo al conseguimento di enormi profitti al prezzo, nascosto all’opinione pubblica per mezzo anche dei mass media, di distruzione e sfruttamento. Considerate le principali colpevoli della povertà del terzo mondo, con l’appoggio di governi occidentali e locali, le multinazionali reiterano colture di sfruttamento mutuate dal colonialismo che, in realtà, non è mai cessato ma ha semplicemente cambiato nome. La globalizzazione viene vissuta come il tentativo di agevolare ulteriormente questa logica di sfruttamento oltre all’allargamento dei mercati sui quali poter smerciare i propri prodotti "…in modo da conseguire altri enormi profitti sulle spalle di chi soffre, con l’approvazione di una massa ignara di telelobotomizzati" L’anarchismo del DiY nulla ha a che fare con un anarchismo che potremmo definire "teorico". In realtà non c’è neanche molta conoscenza dei principali testi anarchici. Ispirandosi a concetti quale l’azione diretta, le occupazioni e via dicendo il DiY rifiuta la mediazione politica per due principali ordini di motivi. Innanzitutto essa ha dimostrato sempre più di non possedere i mezzi per poter soddisfare le esigenze della popolazione che spesso sono connotate da un alto grado di urgenza. I partiti politici, in ritardo come sempre nell’analisi delle nuove tendenze sociali, non possono fornire soluzioni accettabili in quanto sempre troppo impegnati a cercare di districarsi tra lentezze burocratiche, "guerre" di voti e corruzione. Questa inefficienza politica ha aperto la via a molti giovani verso la ricerca di strade alternative. Il secondo ordine di motivi è più ideologico ed è connesso al rifiuto di ogni forma di gerarchia da parte del movimento, si vedrà più avanti come il concetto di organizzazione "orizzontale" sia considerato importantissimo. Un anarchismo di tipo essenzialmente "pratico", quindi, votato all’intento di riprendere il controllo delle proprie vite (take back control of your life è un famoso slogan spesso usato dal collettivo di Profane Existence di cui si parlerà nel terzo paragrafo) sconfinando nell’adozione di numerose pratiche illegali (occupazioni, attività sommerse, sabotaggi, danneggiamenti e via dicendo) dove la loro stessa illegalità viene messa in discussione in quanto espressione della repressione di un "…sistema iniquo e alienante dove anche il semplice diritto di fare una festa all’aperto, che vuole essere libera e gratuita per tutti, viene inscatolato in una logica di profitti e permessi da chiedere con relative tasse da pagare… come se dovessi pagare per divertirmi coi miei amici." Il rifiuto di strutture e gerarchie si denota anche nell’accesa avversione nei confronti della polizia e delle istituzioni militari, criticati come difensori degli interessi e dei profitti del sistema nonché principale mezzo repressivo usato contro chi cerca di sottrarvisi. L’avversione per le forze dell’ordine è rinforzata, oltre dal valore simbolico intrinseco alla loro funzione, dalla brutalità che spesso viene usata in sede di manifestazioni, sgomberi e altre occasioni di incontro / scontro. Le pubblicazioni DiY sono piene di denuncie sulle varie violenze fisiche e psicologiche, oltre ad utili consigli su come cercare di difendersi e come comportarsi in caso di arresto. Ma se il DiY è un movimento pacifista, non lo si può certo definire "pacifico". Il motto fight back ("reagisci") è molto sentito da parte di buona parte degli attivisti del movimento. In questo contesto si apre il dibattito fra fluffy, tipico della cultura alternativa in generale, e spiky, principalmente anarchici. I primi sono per un’azione diretta non violenta, che funga quindi più che altro da esempio, mentre i secondi sono per un’azione diretta di tipo "violento" che comprende non solo reazione ma anche attacco e distruzione di Mc Donald’s e banche durante le manifestazioni tanto per fare un esempio fra i più noti. Il dibattito si esaurisce nel campo del libero arbitrio ovviamente. Finora sfiorata è bene analizzare un’altra caratteristica peculiare e fondamentale del DiY: il movimento è strutturato attorno a tematiche fortemente ecologiste e di stampo radicale. La difesa dell’ecosistema, di Madre Terra (Mother Earth), segue percorsi e obiettivi variegati tutti volti al cercare, attraverso strategie di azione diretta, di lenire gli ingenti danni della furiosa industrializzazione del mondo post moderno. I diritti animali sono una issue molto importante: prevale una dieta di tipo vegetariano o vegano (la dieta vegana esclude qualsiasi prodotto di derivazione animale) come primo passo per ribellarsi al genocidio animale. L’attenzione viene rivolta anche ad altre forme di sfruttamento animale come i laboratori di vivisezione che spesso ricevono le "visite" dell’Animal Liberation Front, collettivo di individualità che si introducono nei laboratori per liberare gli animali da morti orrende e lasciare magari qualche danno come ricordino. Non solo gli animali sono al centro dell’attenzione ma l’ecosistema tutto, soprattutto in questo periodo di biotecnologie e sperimentazioni incontrollate che, con l’intento di creare nuovi eccellenti prodotti per il mercato, vanno incontro a veri e propri disastri ecologici. Sabotaggi, boicottaggi, volantinaggi e via dicendo sono alcune delle pratiche usate dall’azione diretta. Non solo: per fermare l’avanzata delle strade e autostrade si sono formati collettivi come Reclaim the Streets e Road Alert! capaci di organizzare enormi rave per bloccarne i lavori. Un’altra tattica molto usata è la creazione di un campeggio, villaggio hippie nella campagna, bosco o parco minacciati di distruzione. Si sviluppano villaggi di tende, tepee, capanne, case sugli alberi. Si scavano tunnel per agevolare le azioni di sabotaggio. C’è chi si ammanetta alle ruspe usando il proprio corpo come efficace mezzo per impedire il proseguire dei lavori (così come c’è chi mura un braccio alla propria abitazione per impedirne l’abbattimento). Il Critical Mass è invece un’azione congiunta di centinaia di biciclette che, con l’intento di riprendersi gli spazi urbani popolati da orde di frenetici automobilisti, bloccano il traffico creando una zona più sicura alla circolazione delle bici. Queste sono solo alcune delle nuove forme di protesta. Azione diretta, vita nomade, occupazioni, autoproduzioni e via dicendo sono tutti tentativi concreti di radicale riorganizzazione della propria vita nonché di riappropriazione di spazi e libertà, dettati dall’urgenza di un mondo che viene visto come sempre più minacciato in nome del potere, dello sfruttamento e del denaro. Un rifiuto radicale: Do It Yourself !

Il gruppo punk inglese Crass rappresenta il precedente storico più significativo per il movimento DiY. Il suo particolare modo di agire e autogestire le proprie espressioni culturali e musicali gettò le basi e l’esempio per la creazione e strutturazione di quella che col tempo si autodefinirà "cultura DIY". Quello che contraddistinse sin dal loro primo apparire i Crass fu l’essere un gruppo anarchico e pacifista, dedito ad un’ampia propaganda politico-sociale che nettamente si distingueva dall’attitudine marcatamente nichilista, violenta e superficiale dei gruppi punk di quel periodo. "I Crass erano un collettivo radicale anarco-pacifista, anarco-femminista e vegetariano. Inoltre l’anarchia cui facevano riferimento non era quella dei Sex Pistols (Anarchy in the UK comincia con una spaventosa risata gutturale di Johnny Rotten e finisce con un Get Pissed, Destroy! che sembra quasi tratto da un fumetto), ma si presenterà come una visione del mondo e uno stile di vita scaturiti da una miscela d’idealismo hippy, resistenza, energia punk e faccia tosta con l’aggiunta di alcune strategie culturali ispirate ai situazionisti."  La nascita di un gruppo simile, di cui alcuni elementi furono anche organizzatori dei primi festival di Stonehenge, può essere spiegata da alcuni importanti avvenimenti politici in corso quegli anni in Inghilterra: "Ciò che accadde tra il ’76 e il ’78, fu determinante per la radicalizzazione estrema del punk hc degli anni ’80 (Crass, Conflict, Poison Girls e via dicendo). Nel 1975 in Inghilterra c’era una recessione fortissima: il 60 % dei 50.000 occupanti abusivi, si trovava a Londra. L’occupazione unita al sussidio di disoccupazione, era una scelta politica, che consentì l’accesso del Punk a Londra. D’altra parte diversi protagonisti d’allora erano occupanti abusivi. (…) Il National Front e la Thatcher cominciavano a farsi sentire, i disoccupati erano più di 1500000, più del 5 % della forza lavoro di tutto il paese. Nel 1977 il National Front era il terzo partito, e a metà agosto quei bastardi sfilarono nell’area di Lewisham (a Londra) ad alta maggioranza nera. Ci furono degli incidenti al seguito dei quali nacquero l’Anti Nazi League e Rock Against Racism."  I Crass non furono un semplice gruppo musicale anarchico ma anche "(…) un collettivo e una comune, destinato a sopravvivere e prosperare come organizzazione underground radicale nei giorni bui della Thatcher, all’inizio degli anni Ottanta (La loro parabola creativa andò da circa il 1978 al 1984). Nel corso del tempo, avrebbero prodotto un corpus vario e consistente di testi culturali, con vendite di dischi dell’ordine delle decine di migliaia di copie."

Attratti in principio dai gruppi e dal movimento punk ben presto i Crass si resero conto di quanto le loro idee e il loro modo di agire fossero così distanti dalle loro e come il punk fosse chiaramente una semplice moda passeggera: "Quando, nel 1976, il vomito punk schizzò per la prima volta sulle pagine dei giornali col messaggio do it yourself ("fatelo da soli") noi, che in diversi modi e per diversi anni non avevamo fatto che quello, abbiamo creduto ingenuamente che i vari signori Johnny Rotten, Joe Strummer e compagni intendessero lo stesso. Finalmente non eravamo più soli." Ben presto si resero conto che "…i nostri colleghi punk, i vari Pistols, Clash e così via, non erano altro che dei fantocci: a loro faceva piacere illudersi di derubare le grosse case discografiche, ma nella realtà era la gente a essere derubata. Non aiutavano altri se non se stessi, dando vita a un’altra moda facile." "Se il 1976 per il punk era stato musicalmente un buon anno, nel ’77 ci fu il boom, ma già nel ’78 cominciò a indebolirsi. Ma proprio in quel periodo il movimento dovette "decidere" che direzione prendere."  L’allontanamento dei Crass dall’illusione punk ebbe un riscontro anche estetico dettato dall’esigenza di distinguersi da quella scomoda e superficiale moda: "Decidemmo di vestirci di nero per protestare contro il pavoneggiarsi narcisistico della moda punk, iniziammo ad utilizzare video e filmati durante i nostri spettacoli, ci dedicammo alla stampa di volantini per spiegare le nostre posizioni e pubblicammo un giornale "International anthem". E per smentire le voci messe in giro dalla stampa, secondo cui non eravamo che degli estremisti di destra e/o di sinistra, decidemmo di attaccare dietro il palco ai nostri concerti, una bandiera col simbolo dell’anarchia…" La stessa vita in una comune rappresentava un esperimento utopico "…che coinvolgeva l’esperienza nella sua globalità compreso lo stile di vita e il vivere all’interno di ciò che il teorico anarchico Murray Bookchin definisce un "gruppo di affinità". Ma che soprattutto rappresentava al meglio il tentativo concreto di "…colmare il divario fra teoria e prassi, un risultato raramente conseguito nella storia del pensiero e dei movimenti anarchici"

Negli anni dell’esplosione del fenomeno punk (1976 e successivi) si formarono molte etichette indipendenti che si offrirono di produrre dischi, spesso in formato 7" (più famoso come 45 giri), ai gruppi che altrimenti non avrebbero avuto un aiuto dalle grosse case discografiche (questo almeno prima che si accorgessero delle sue possibilità commerciali). I Crass non fecero eccezione: la piccola etichetta Small Wonder , dopo averne sentito il demotape, li contattò (era il 1978) per proporre loro la stampa di quello che diverrà il loro primo disco: The feeding of the 5000. Ancora prima della sua uscita il disco creò loro dei problemi: "Quando, nella primavera del 1979, riuscimmo a pubblicare The feeding of the 5000 , il primo brano della prima facciata era fatto di silenzio ed intitolato The sound of freee speech (il suono delle parole libere). Lo stabilimento di stampa del disco decise che Asylum, primo brano della prima facciata, era troppo blasfemo per i loro, e quindi i vostri, gusti. Ecco la vera faccia della censura nel cosiddetto mondo libero!" Le scottanti tematiche affrontate negli altri brani del disco provocarono la reazione disgustata dei mass media che attaccarono ideologicamente il collettivo e ne stroncarono il prodotto musicale. "La critica dei Crass aveva una serie di bersagli preferiti, che spesso mescolava assieme in una sorta di grandiosa teoria della cospirazione ordita dal "sistema". La chiesa, la disoccupazione, il patriarcato, i valori della famiglia, lo stato, la guerra, le armi nucleari, lo sfruttamento del Terzo mondo, l’ambiente, il commercio della carne, erano i bersagli preferiti, come pure i gruppi e gli scrittori punk che non vivevano secondo gli standard rigorosi dei Crass" Nonostante le recensioni negative i Crass ottennero sin dall’inizio un discreto successo commerciale di vendite tanto che "i mass media (che) fin dall’inizio hanno fatto di tutto per ignorarci (…) si sono dovuti arrendere all’evidenza dei fatti e sono stati costretti a darci, pur se riluttanti, un po’ di credito. È tutto molto semplice: se non stai al loro gioco, che è lo sfruttamento commerciale, non accetteranno il tuo." I Crass si scagliarono non solo contro la stampa ma anche contro: "(…) l’industria musicale (che) non solo compera i gruppi, ma paga anche la stampa. I truffatori sono molto più diffusi e potenti di quanto possiamo immaginare. Comunque, visto che costituivamo una minaccia al suo controllo, fu il nemico a compiere il primo passo verso di noi." Durante tutta la loro carriera ricevettero numerose offerte da parte delle major, offerte che vennero tutte fermamente respinte: "anni fa c’è stato offerto un contratto da una grossa casa discografica: quello stronzo che la dirigeva ebbe sul serio il coraggio di dirci che noi potevamo vendere la rivoluzione. Voleva che noi fossimo solo un altro prodotto a basso prezzo per la testa dei consumatori. Disse che avrebbe trasformato la nostra rabbia in una fonte di guadagno" . I Crass si spinsero oltre e giunsero alla fondazione di una propria etichetta discografica: la Crass Records. Tale scelta derivò anche dal fatto che "Pete, della Small Wonder cominciava già da tempo a risentire negativamente delle continue attenzioni che la polizia dedicava al suo negozio di dischi per causa nostra, quindi cercammo del denaro in prestito per pubblicare Stations of the Crass per conto nostro" . Grazie al successo di Stations of the Crass, il loro secondo album, il collettivo poté ricomprare "…i diritti di The Feeding of the 5000 da Small Wonder, visto che Pete e Mary avevano deciso di chiudere con la loro label. È stato allora che abbiamo ripubblicato il nostro disco d’esordio sulla nostra label, e con Asylum come primo brano, com’era nel nostro iniziale progetto." Nonostante la scelta di rimanere marginali i Crass hanno usato efficacemente valide tecniche di vendita e promozione in modo da poter diffondere più facilmente le proprie idee. Tutti i loro dischi erano contenuti in copertine apribili a poster riempite di immagini, slogan, testi e via dicendo. La quantità di informazioni riportate sui loro dischi, supportate di un incisivo e innovativo lavoro grafico in bianco e nero, era tale che "…non è esagerato dire che i dischi dei Crass non solo si potevano ascoltare ma anche leggere" . Tale opera di diffusione fu promossa anche attraverso l’imposizione del prezzo in copertina tenuto rigorosamente vicino ai costi di produzione "Hanno dato grande rilievo ai costi limitati dei loro dischi autoprodotti: il primo singolo riportava in copertina la scritta: Non pagare più di 45p (i singoli in quel periodo costavano 80-90 pence)" . L’attività della Crass Records non si limitò ai dischi e libri dei Crass: "Con l’andare del tempo, pubblicarono i lavori di più di venti gruppi anarchici e punk, divenendo un simbolo di organizzazione e longevità. Per i gruppi anarchici, l’etichetta da cui era pubblicato il disco era importante quanto la stessa musica. Questo insistente interesse per gli elementi extramusicali era essenziale per l’autonomia tanto ostentata dai Crass: la Crass Records e il gruppo erano aspetti collegati della stessa attività politico-musicale" . Questo particolare modo di autogestire le proprie espressioni musicali, diffondendole ad un prezzo molto vicino al suo costo di produzione (da cui la spesso citata espressione No profit), unito ad una forte politicizzazione, sarà di grande esempio per quello che con gli anni diverrà un immenso network di autoproduzioni completamente indipendente ed autonomo: il DiY (do it yourself).

Il desiderio di autonomia dei Crass non trovò vita facile. Fu proprio il primo disco a firma Crass Records (1979) a provocare le prime perquisizioni poliziesche: "Poco dopo l’uscita di The feeding of the 5000 per Small Wonder riuscimmo a trovare uno stabilimento disposto a stampare Asylum: riregistrammo il pezzo e lo pubblicammo assieme a Shaved women stampando in casa le copertine ed imponendo un prezzo di vendita di 45 pence." "Questo nostro lavoro venne premiato da una visita a casa nostra di una sezione della buon costume di Scotland Yard e da numerose denuncie per vilipendio alla religione e oscenità (…) che portarono a ispezioni della polizia in tutti i negozi di dischi del paese" .  Recitato dalla voce di Eve Libertine su una base fatta di effetti sonori, il testo di Asylum è un duro attacco al patriarcato occidentale attraverso il discorso guida del cristianesimo, collocato in un contesto più ampio di militarismo e misoginia. La pubblicazione del singolo Reality Asylum oltre alle già citate denunce per oscenità e perquisizioni poliziesche provocò anche un ammonimento da parte della sezione buoncostume di Scoltand Yard che li avvisò del fatto che per quanto fossero formalmente "liberi", non sarebbe stato sconsigliabile ripetere un’avventura simile. Ma "la natura stessa della nostra libertà ci ha invece imposto di ritentare: si mise così in moto quella continua serie di vessazioni da parte della polizia nei nostri confronti che dura a tutt’oggi"  Oltre ad essere fortemente osteggiati da mass media ed autorità, i Crass ebbero problemi col circuito del music business in generale: "è stato all’incirca in quel periodo che per la prima ed unica volta sono state trasmesse delle nostre canzoni per la radio nazionale da John Peel : da allora la nostra reputazione di bestemmiatori e blasfemi ci ha precluso qualsiasi possibilità di intervento e partecipazione nelle trasmissioni radiofoniche inglesi. (…) sembrava infatti che il dissentire pubblicamente su un argomento come la guerra nelle Falklands fosse inaccettabile da un pubblico che intasava il centralino della BBC con telefonate di protesta."

Reality Asylum non sarà l’unico brano ad affrontare tematiche connesse alla discriminazione sessuale. Mossi dal desiderio di "Sferrare un attacco femminista" al fine di spingere le persone a "… imparare a rifiutare i ruoli che ci sono imposti dall’alto, tipo il ‘maschio dominatore’ contro la ‘femmina remissiva’, ruoli finora accettati passivamente" nel 1980 i Crass pubblicarono l’album Penis Envy (invidia del pene). Curato esclusivamente dalla parte femminile del collettivo, l’album affrontava, secondo un punto di vista esclusivamente femminile ma che esulava dai tradizionali schemi "femministi", il ruolo della donna nella società patriarcale, la sua sessualità e le discriminazioni presenti nella religione cattolica. Penis Envy provocò numerose reazioni sconcertate evidenziando numerosi pregiudizi radicati non solo nei mass media, ma anche negli stessi punks. L’album provocò anche le reazioni della stampa generalmente di sinistra che li accusò di ambiguità e di anti-femminismo "(…) però tali critiche non hanno senso di esistere a una ragionata lettura dei testi di queste canzoni, continuamente in bilico tra racconti personali e considerazioni politiche" . L’ultimo brano di Penis Envy, intitolato Our Wedding (il nostro matrimonio), venne usato per colpire direttamente la rivista "Loving", rivista rosa per adolescenti "…specializzata nello sfruttamento della solitudine giovanile." . Proposta sotto lo pseudonimo di Creative Recording and Sound Service, la canzone in questione era una parodia di una canzone d’amore ispirata al matrimonio. Stampata in formato 7" flexi venne allegata alla rivista "Loving" che la propose alle proprie lettrici come "un must per il felice giorno del matrimonio". Apparentemente tale, Our Wedding si rivelò in realtà come una feroce critica all’istituzione stessa. "Non appena l’inganno venne scoperto l’intera Fleet Street venne scossa, e molte teste caddero nella redazione di "Loving"…"

Nella radicalizzazione del loro pensiero politico i Crass ritennero opportuno criticare duramente un altro fenomeno che andava formandosi in quegli stessi anni: il genere musicale Oi! ascoltato prevalentemente dagli skinheads. Propagandato da Garry Burshell, giornalista della autorevole rivista musicale inglese "Sounds", come "…l’unico, il vero punk. (…) Proprio mentre il punk è nato per distruggere le discriminazioni, l’Oi! Music e lo Skunk sono così ciechi che le rafforzano." . Le critiche mosse nei confronti degli skinheads riguardano principalmente i gravi disordini, spesso a sfondo razziale, provocate ai concerti e non solo. I Crass spingeranno ancora avanti la loro critica denunciando la strumentalizzazione politica del movimento sulla base di una falsa mitologia della classe operaia. "Affermare che il punk appartiene alla classe operaia significa solo strapparlo dalle sue vere radici, che sono nel rock interclassista rivoluzionario".  (non vi è spazio in questa sede per approfondire il movimento skinhead ... Tengo comunque a precisare a quanti non lo conoscano come al suo interno non vi sia solo la corrente nazista di merda o apolitica ma anche quella redskin che politicamente è a sinistra...)

I Crass incontrarono numerosi problemi anche nel circuito dei locali: "Fummo cacciati, boicottati, persino banditi dall’allora leggendario Roxy Club : ci dissero che volevano solo ragazzi a posto." In reazione a questa situazione, e con l’intento di diffondere il più possibile le proprie idee, cominciarono a suonare "…in posti dove nessun altro gruppo aveva mai suonato prima. Circoli di quartiere, tendoni, centri sociali, qualsiasi posto che non fosse stato un club privato, una discoteca o appartenesse al circuito universitario. Centinaia di persone sarebbero state disposte a seguirci in capo al mondo durante i nostri tours per celebrare il reciproco senso di libertà. Abbiamo diviso la nostra musica, film, letteratura, conversazioni, cibo e tè." Tal esigenza di esprimersi in luoghi non convenzionali portò all’idea di occupare un posto per potervi organizzare dei concerti alla portata di tutti. Dopo un primo tentativo al Rainbow Club "(…) occupammo lo Zig Zag Club, anch’esso allora sfitto. La notizia di questa seconda occupazione si diffuse per la città in un baleno, anche perché si era sparsa voce dei pestaggi della polizia al Rainbow. A mezzogiorno parecchie centinaia di persone si erano raccolte dentro e tutt’intorno allo Zig Zag occupato, e nel pomeriggio ebbe inizio un grande concerto collettivo gratuito. (…) con cibo gratis e birra rubata abbiamo celebrato ancora la nostra indipendenza, stavolta assieme a tanti gruppi musicali, il meglio di quello che si poteva davvero chiamare punk. Insieme abbiamo dato vita a un’esplosione di energia durata ventiquattr’ore che ha ispirato decine e decine di eventi simili in tutto il mondo. Avevamo imparato la lezione: lo slogan do it yourself (fatelo da soli) non è mai stato così vero come in quel giorno allo Zig Zag Club" I concerti dei Crass si distinsero per il loro impatto e per la totale assenza di diversità fra musicista e spettatore: "Quella prima volta a Norwich i Crass furono sbalorditivi (…) ci colpì la loro spontaneità: prima di suonare, gironzolarono per la sala mezza vuota e dopo ci aspettarono affinché potessimo parlare con loro sorseggiando tè. La musica per i Crass era roba vera e si vedeva (…), si può dire che non abbiano ridotto il concerto alla sua componente materiale ma lo abbiano ampliato in maniera indefinita, così da includere il prima e il dopo concerto, il montaggio dell’impianto casereccio rubacchiato, l’allestimento di striscioni e bandiere e la conseguente trasformazione del capannone, l’indossare inquietanti abiti neri paramilitari con fasce rosse, le donne attraenti ma in modo asessuato. Ero intimorito ma nello stesso tempo profondamente attratto. (…) Per la gente del Norfolk era come se fosse sbarcato un gruppo di alieni nella loro contea, proveniente da un universo in cui vigevano regole diverse, che traspirava autenticità." Capaci di sconvolgere anche i punk, i Crass "stimolavano il dubbio" e aggiungevano "un tassello nuovo, un qualcosa di serio." Lo stesso Penny Rimbaud definirà i concerti del suo gruppo in questo modo: "Era ben altro che ambiguità, era una contraddizione assoluta, tra il calore, l’apertura mentale eccetera. Di tutti i gruppi punk eravamo i più meccanici, disumani, terrorizzanti. Eravamo un gran buco nero da cui fuoriusciva una cascata di immagini orribili. Un bombardamento a tappeto, in completo contrasto con il dopo concerto in cui giravamo per la sala mangiando tramezzini e sorseggiando tazze di tè. Era proprio questa confusione che metteva in discussione le persone e le invitava a decidere" . Decidere di reagire a tutto ciò che gli veniva fatto vedere organizzando proteste, manifestazioni, occupando e via dicendo. Di grande impatto, autogestiti, con un prezzo d’ingresso nettamente inferiore a quello dei concerti offerti dal music business ed organizzati in posti inusuali o addirittura illegali, simili eventi si distinsero anche per la donazione dei profitti a varie cause affini all’ideale anarchico-pacifista. "Nella primavera del 1980 abbiamo partecipato a una serie di concerti a sostegno del fondo di difesa per alcuni anarchici detenuti, definiti paradossalmente Persons unknown (sconosciuti)." Assieme ai soldi ricavati dalla pubblicazione di un disco split 7" col gruppo Poison Girls, i Crass contribuirono anche all’apertura di un circolo anarchico. "La facilità relativa con cui eravamo stati in grado di raccogliere i fondi per il centro anarchico ci fece capire il nostro potere non solo di dare vita a nuove idee, ma anche di riuscire in qualche modo a realizzarle. Veniva davvero molta gente ai nostri concerti, quindi il modo migliore di sfruttare la situazione era il decidere che avremmo esclusivamente suonato in concerto a sostegno di qualche cosa. In tutti gli anni della nostra attività siamo riusciti a raccogliere fondi per una grande quantità di cause differenti". Non solo: "I soldi ricavati dallo spettacolo precedente sono andati sia a qualche campagna politica marginale (salute mentale e diritti degli animali) sia alla promozione di altri eventi musicali come i free festival (Saranno proprio alcuni dei membri del collettivo dei Crass a partecipare all’organizzazione dei primi festival di Stonehenge). Opposizione e antagonismo attraverso l’attivismo, e attraverso la musica."

L’esperienza del circolo anarchico sottolineò un’altra caratteristica peculiare dell’ideologia crassiana. Il centro infatti chiuse a seguito degli attriti fra i "tradizionalisti" del gruppo di Persons Unknown e gli anarcopunks. Il contrasto si svolse prevalentemente su base ideologica: l’anarco-pacifismo proposto dai Crass è rivolto ad una ricerca concreta di autonomia agendo sulla propria vita reale (vivere in una comune, le occupazioni, le autoproduzioni e via dicendo) senza nemmeno fare riferimento alla tradizione storica anarchica, anzi ignorandola: "Nonostante il casino, ci si divertiva enormemente. Nessuno che venisse a seccarti con storie assurde (…), nessuno che voleva sapere come mai anarchia e pace potessero coesistere, nessuno che venisse a romperci i coglioni con lunghi monologhi su Bakunin, che a quel tempo noi si immaginava probabilmente fosse una marca di vodka." Ispirati profondamente dal concetto di azione diretta e nonviolenta, utilizzarono questo modo di agire per risolvere gran parte dei loro problemi nonché per organizzare festival, manifestazioni e sabotaggi. Scopo dei Crass era costruire una "estetica della rabbia" anziché "(…) adottare la strategia degli attivisti anarchici inglesi della generazione precedente, quelli delle Angry Brigade, con le loro cellule terroristiche, le bombe e le rivendicazioni. Pur cercando di rappresentare la rabbia nei loro prodotti culturali, i Crass evitarono le grandi contrapposizioni della politica sottoculturale giovanile del periodo: la destra (il British Movement, il National Front, gli Sham 69, l’Oi!) e la sinistra (il Socialist Workers Party, Rock Against Racism, i Clash). (…) Pensavano che non prendendo posizione (…) sarebbero riusciti a provocare il pubblico senza inquadrarlo, si può dire perciò che i Crass valorizzavano al massimo la loro autonomia."  Nonostante il loro immaginario catastrofico e pieno di immagini di alienazione e dominio, il collettivo manteneva un atteggiamento propositivo: "Il futuro per i Crass è un incubo, ma non lo è il futuro che essi auspicano. Attraverso queste composizioni culturali dispotiche viene rappresentata un’utopia politica" . Per quanto il loro modo di comunicare fosse di così forte impatto essi specificheranno che "non c’è aggressività nelle nostre performance, è solo disperazione" . Disperazione per le ingiustizie e le discriminazioni del mondo occidentale, disperazione che nasce dall’amore per la vita: "Alcuni membri del gruppo realizzarono Acts of love (atti d’amore), una raccolta di cinquanta poesie che costituiva un tentativo di dimostrare che l’origine della nostra rabbia era l’amore e non l’odio, e che la nostra idea di individualismo più che da un egocentrismo sociale bigotto, derivava da una nostra filosofia dell’essere."  Lo stesso amore per la vita li porterà ad interessarsi dello sfruttamento animale. "L’opporsi al massacro degli animali perpetrato dall’uomo può restare per alcuni solo un obiettivo che si realizza nella pratica delle azioni dimostrative di una stretta cerchia di obiettori. Chi si sente coinvolto in questi argomenti, sa invece che il problema è molto più complicato di quanto sembri" . Una dieta vegetariana, azioni di protesta, boicottaggio e veri e propri sabotaggi ai laboratori di vivisezione, azioni di disturbo durante le partite di caccia, atti di vandalismo nelle macellerie e altre azioni simili sono solo alcune delle pratiche adottate e organizzate dai Crass ed ispirate all’azione diretta. Il collettivo riuscì "a fare dell’anarchia un movimento popolare di milioni di persone" , la cui influenza continua ancor oggi: "A quel tempo L’A cerchiata era un simbolo che era raramente visto al di fuori di una stretta cerchia di persone interessante a una letteratura anarchica precisa e generalmente noiosa: di lì a pochi mesi l’A cerchiata era dappertutto, distintivi, muri di tutta la nazione. In pochi anni quel simbolo si è diffuso in tutto il mondo. Johnny Rotten potrà aver dichiarato di esser un anarchico, ma siamo stati noi quelli che da soli siamo riusciti a fare dell’anarchia un movimento popolare di milioni di persone." Contemporaneamente decisero di affiancare all’ideale anarchico una marcata attitudine pacifista: "In quel periodo essendoci resi conto che il CND (Campaign for Nuclear Disarmament – Campagna per il disarmo nucleare) esisteva ancora, sebbene in maniera frustrata ed autocastrata, decidemmo allora di sostenere la sua causa, cosa che il CND era incapace di fare da solo. Da allora, nonostante la derisione della stampa musicale, ai nostri concerti abbiamo sempre appeso la bandiera pacifista." L’impatto di questa nuova forma di anarchismo fu enorme, tanto da creare nuovi e radicali stili di vita. Di facile acquisizione, grazie soprattutto alla sua indifferenza nei confronti dei testi accademici, e di rilevante concretezza, l’anarco pacifismo dei Crass sarà l’esempio portante per la strutturazione e l’evoluzione della cultura DIY.  "Un settore sociale nuovo e sino a quel momento inconsapevole veniva così a contatto con una forma di pensiero radicale, per raggiungere poi il culmine nelle grandi manifestazioni popolari, marce per la pace e raduni che continuano tuttora. Per questo l’effetto reale dei nostri lavori non va ricercato entro i confini del rock’n’roll, ma nelle menti radicali di migliaia di giovani in tutto il mondo. Dalle reti di Greenham al muro di Berlino, dalle iniziative di Stop The City ai concerti underground in Polonia, il nostro speciale genere di anarcopacifismo, ormai quasi un sinonimo di punk, si è fatto conoscere."  "Quasi un sinonimo di punk" afferma Penny Rimbaud. Col tempo il termine punk, che comunque connota anche un fenomeno ben superficiale e commerciale, allora come oggi, cederà il posto ad un termine che descrive meglio questo movimento: do it yourself o, come accade più spesso recentemente, "cultura DIY".

Coerentemente al loro ideale pacifista i Crass si scagliarono sin dagli inizi contro la guerra, argomento presente sin dalle loro prime produzioni. L’esercito ed il nucleare rientravano tra i loro "bersagli" preferiti. Ad un certo punto la loro propaganda si acutizzò in seguito ad un evento sconvolgente ed inaspettato: "Durante il 1981 abbiamo registrato Christ – The Album (…), però, la nostra gioia venne annientata da una grande tragedia: la gran Bretagna andava in guerra. Delle stupidaggini avvenute su un’isola chiamata South Georgia, un posto del quale nessuno aveva mai sentito parlare, portarono a gravi scontri su di un gruppo di isole chiamate Falkland, un posto del quale pure nessuno aveva mai sentito parlare. (…) Mentre centinaia di ragazzi morivano, le nostre canzoni, i nostri volantini, parole e idee immediatamente sembrava avessero perso significato." In un contesto dove "le proteste contro la guerra erano virtualmente inesistenti (e) il dissenso veniva zittito" i Crass pubblicarono un singolo flexi contenente una canzone contro la guerra nelle Falkland. Definiti dalla stampa come "traditori" ricevettero dalla Camera dei Comuni un ammonimento che li invitava a "badare a quanto stavamo facendo". Così come accadde precedentemente per il singolo Reality Asylum, essi decisero di continuare la loro opera di controinformazione e nel 1982, non appena terminata la guerra, pubblicarono un altro singolo contenente la canzone How does it feel to be the mother of a thousand dead? (come ci si sente ad essere la madre di mille morti?). La canzone ara un diretto attacco a Margaret Thatcher ritenuta responsabile di avere "…voluto la guerra per pubblicizzare la propria immagine e quella del proprio partito in vista delle imminenti elezioni" .  In seguito alla loro propaganda i Crass, oltre a ulteriori denunce, ricevettero grande attenzione da parte dei mass media. Nonostante la situazione fosse già assai critica, realizzarono segretamente un nastro e lo spedirono anonimamente alle principali testate giornalistiche mondiali. Il nastro provocò un vero e proprio caso giornalistico definito thatchergate. "Si trattava di un nastro veramente ben realizzato, studiato in forma di conversazione tra Reagan e la Thatcher durante la quale veniva ammessa la sua responsabilità diretta nell’affondamento della Belgrado, argomento sul quale la Thatcher aveva imposto il no comment e la conseguente conferma del bombardamento della Sheffield da parte dell’Invincibile, notizia tenuta sino a quel momento segreta. E, visto che c’eravamo, abbiamo inserito una dichiarazione di Reagan nella quale veniva presa in considerazione l’idea di un conflitto nucleare in Europa nel caso fosse messa in pericolo la sicurezza degli Stati Uniti. Un’ipotesi che probabilmente non è poi così assurda" .  "Furono usate informazioni non di pubblico dominio, fornite ai Crass da un marinaio che era stato nelle Falkland, compresa l’accusa che la Sheffield (colpita da un missile Exocet) fosse stata effettivamente sacrificata dagli alti gradi della Marina per proteggere la portaerei vicina su cui prestava servizio il principe Andrea." Scoperta da un giornalista la loro responsabilità, i Crass divennero oggetto di numerose interviste da parte di tutto il mondo, interviste alle quali risposero dando sempre opinioni secondo un punto di vista anarchico. Tale attenzione nei loro confronti cominciò a far desiderare, tra i membri del collettivo, l’idea di sciogliere il gruppo: "Avevamo finalmente raggiunto una specie di potere politico, eravamo trattati con considerazione e rispetto. Era davvero ciò che volevamo? (…) Dopo sette anni di attività eravamo diventati proprio quello che all’inizio volevamo combattere. (…) Avevamo si trovato una base solida per le nostre idee, ma qualcosa di quelle stesse idee si era come perso per strada. (…) Eravamo divenuti amari proprio dove una volta eravamo gioiosi, pessimisti proprio quando era l’ottimismo la nostra causa."  Nel 1984, stanchi delle continue denuncie, perquisizioni, processi e non più convinti che avesse un senso continuare col gruppo in quanto "… i nostri concerti erano diventati praticamente un’occasione d’intrattenimento qualsiasi" , i Crass decisero di sciogliersi. In realtà sin dai primissimi dischi il collettivo era uso riportare una specie di codice cifrato che altro non rappresentava che un conto alla rovescia con scadenza finale proprio l’anno 1984 in chiaro omaggio al famoso romanzo di George Orwell. Ma la realtà dei fatti venne vissuta come ancora più dolorosa dal collettivo: "Era arrivato il 1984, in maniera ancora peggiore di quella profetizzata da Orwell: disoccupazione, sfratti, povertà, fame. Lo stato di polizia era divenuto una realtà: se ne sarebbero accorti ben presto i minatori in sciopero. La ‘morte accidentale’ provocata dalla polizia, trasformata ormai in esercito personale della Thatcher, era divenuta un fatto normale, accettato da tutti. L’equilibrio di un’intera società era appeso al filo di una dittatura egoista e malvagia. La nostra situazione non era delle migliori: siamo stati trascinati in tribunale ancora una volta per una denuncia per oscenità , un processo che ci ha quasi distrutto. Abbiamo i mezzi per non farvi più parlare, ci hanno detto. Fu durante l’estate di quell’anno che si tenne il nostro ultimo concerto, una serata agitatissima a sostegno dei minatori del Galles in sciopero. Sul palco dichiarammo ancora una volta la nostra ferma intenzione di continuare a combattere per la libertà ma, nel ritornare a casa, quella sera, ci si rese conto che non potevamo più andare avanti così. Il cammino che avevamo intrapreso sembrava giunto a un punto morto. Avevamo bisogno di nuove strade per raggiungere i nostri obiettivi" Formando altri gruppi, mantenendo sempre vivo l’impegno politico-sociale e sostenendo altri gruppi attraverso la Crass Records i membri del collettivo cercarono nuove strade per esprimersi.

Sebbene la "parabola dei Crass" (così com’è definita da George McKay) durò dal 1978 al 1984, i suoi effetti ebbero un impatto immediato su tutta la scena punk mondiale contribuendo a costruire una nuova comunità profondamente ispirata al principio del do it yourself. Dai primissimi anni ’80 fino ai giorni nostri il DiY è stato alimentato da varie correnti musicali e ideologiche che hanno rafforzato, col passare del tempo, l’idea di autoproduzione e indipendenza dal mercato discografico, unita ad una radicale politicizzazione di impronta anarcopacifista le cui caratteristiche verranno a fondo analizzate nel capitolo ad essa dedicato. Mischiando musica e politica secondo un modo nuovo e slegato da approfondamenti e rimandi accademici, il "facile" anarchismo dei Crass (basato più sull’azione concreta che sulla teoria) avrà un grande impatto su migliaia di gruppi e collettivi in tutto il mondo.

Nella sua strutturazione il movimento DIY, coerentemente alla propria linea politica anarchica e quindi "orizzontale", non riconosce nessun leader. Non vi è del resto neanche una particolare storicizzazione del movimento stesso. Nel tentativo di ricostruire il più fedelmente possibile la sua evoluzione si è scelto di analizzare quei gruppi e collettivi le cui produzioni musicali e culturali hanno avuto un grosso impatto, e riconoscimento, per lo sviluppo della cultura DIY.

In Inghilterra grazie all’attività della Crass Records ebbero la possibilità di esprimersi altri gruppi importanti per l’ideologia anarco-punk che assieme al gruppo "madre" formarono l’asse Crass – Conflict – Poison Girls (gruppo molto attento alle tematiche legate al gender) – Flux of Pink Indians e via dicendo. A questi gruppi vanno aggiunti i Discharge che estremizzarono notevolmente sia l’approccio lirico che musicale: " i Discharge capirono che il punk-rock non poteva più stare a metà strada. Molti fanno coincidere questa scelta con la nascita dell’hardcore." Il parallelo fra i Discharge e l’hardcore (di cui si parlerà più avanti) non è del tutto casuale: i Discharge porteranno il punk ad essere suonato a velocità, per i tempi, folli accompagnate da testi diretti e aggressivi che li rendevano "…più di chiunque altro gli interpreti della catastrofe in atto. (…) I Discharge si distinguevano fin da allora per la noncuranza con la quale sapevano maltrattare la storia, per l’estrema disinvoltura con la quale narravano di stragi, catastrofi nucleari, apocalissi incombenti." I testi non vengono più cantati, ma urlati: un modo di "cantare" che diverrà presto popolare sia perché più adatto alla velocità della musica sia, ed anzi soprattutto, perché meglio rispondente all’urgenza del loro messaggio. I loro dischi si distinsero per le grafiche in bianco e nero riportanti immagini di guerra e distruzione con un occhio sempre critico nei confronti del sistema, della religione, del potere e ogni altra forma di oppressione. Anche il look cambia: prevale il nero su un abbigliamento notevolmente più trasandato, i capelli si fanno più lunghi e nelle loro rare foto, il gruppo rifiuta di farsi ritrarre e di fare attività promozionale, compare anche qualche barba incolta. Con un simile approccio i Discharge costituiranno il precedente più influente sul movimento grind / crust che più di ogni altro sarà meritorio della radicalizzazione degli ideali "crassiani" all’interno del DIY punk. Dall’analisi dell’esperienza dei Discharge si cominciano a delineare alcune pratiche che diverranno poi molto comuni nel DiY ma che allora erano delle vere e proprie eccezioni. "Fioccano le lettere al fun club, alle quali Cal e soci cercano di rispondere personalmente (…). Regalano pezze della band da cucire sui giubbotti, spiegano i testi delle proprie canzoni, instaurando così un rapporto diretto con i fans che, per la prima volta nella storia del rock, anche di quello alternativo, esclude la grande stampa ed i cosiddetti mezzi d’informazione di regime." Pratiche alle quali va aggiunta "…l’abitudine di distribuire personalmente al pubblico i volantini con i testi dei loro brani." In realtà già i Crass e i gruppi della loro etichetta, negli stessi anni, riportavano il proprio indirizzo sui dischi e, lungi dal pensare di avere un fan club, rispondevano personalmente ad ogni lettera. Tal elemento potrebbe a prima vista sembrare irrilevante, è bene notare invece che il network DiY si struttura proprio su una rete di contatti diretti, volantini e fanzines di cui spesso lo scrivere ad un gruppo, per avere più informazioni al suo riguardo, costituisce un primo importante passo per addentrarvisi. Paradossalmente, però, l’esperienza dei Discharge finì per essere anche uno di quei tanti esempi di gruppi che, una volta raggiunto un discreto successo, commercializzarono la loro proposta musicale e passarono ad una major perdendo qualsiasi tipo di supporto e d’interesse da parte della scena.

Intanto in Europa e negli Stati Uniti cominciarono a diffondersi le idee sul DiY e proprio in Italia si trova una scena estremamente politicizzata ispirata all’asse Crass – Discharge e molto legata ai posti occupati: gli squats. Assieme a Olanda (attiva sin dagli inizi con: Larm, BGK e The Ex) e Finlandia (la cui tradizione di gruppi dalle sonorità molto simili a quelle "dischargeane" è famosa ancor oggi: Anti Cimex, Disarm, Kaaos e via dicendo), l’Italia svilupperà un gran numero di situazioni antagoniste ed un particolare suono: l’hardcore / punk italiano, spesso cantato in lingua madre, che rimarrà leggendario sino ai giorni nostri. Sono infatti moltissime le fanzines di tutto il mondo che usano l’hc italiano (HC è una comunissima abbreviazione del termine hardcore) come definizione di genere, oltre a dedicarvi ancora articoli (il più recente è apparso su "Maximum Rocknroll", n° 215, Aprile 2001, USA). L’hc italiano creò una rete totalmente autogestita di autoproduzioni, legata ad alcune occupazioni promosse proprio dai collettivi punk in cerca di posti dove suonare e dove poter organizzare altre attività socio-politiche. "(…) riteniamo indispensabile cantare in italiano e condurre attività parallele alla sola attività musicale (volantini, militanza antimilitarista etc.). sarebbe inutile e senza senso lanciare un messaggio che non sia immediatamente comprensibile da chi ascolta e partecipa." "L’Italia punk / alternativa di quindici anni fa era costituita da una serie di piccoli raggruppamenti locali (una serie di "città stato" ebbe a dire un compagno anarchico inglese), generalmente cementati da simili gusti musicali, di linguaggio e abbigliamento." Tali "città stato" ebbero particolare concentrazione nell’Italia centro settentrionale ed in particolare nelle città di Milano (che ebbe come sede le varie occupazioni del Virus), Bologna (attiva con l’etichetta Attack Punk), Torino (il cui particolare clima di alienazione da città industriale produrrà alcuni fra i gruppi più intensi), Udine, Roma, Aosta (il gruppo Kina e la sua etichetta Blu Bus) e l’area toscana raccolta sotto la sigla di Gran Ducato Hard Core (GDHC) con sede principale il Victor Charlie di Pisa. Malgrado queste concentrazioni "…dovute principalmente al fatto che in queste città avevano dei posti, occupati o meno, dove poter tener concerti e quindi aggregare persone" , i vari collettivi seppero collaborare fra loro organizzando iniziative comuni come ad esempio "Pankaminazione", una pubblicazione a diffusione nazionale volta a cercare di informare la scena sulle autoproduzioni e le attività dei vari collettivi italiani. Anche politicamente la scena italiana ruppe col passato: "(…) le sovrapposizioni e le convergenze tra punks e gli anarchici pre-esistenti (… i tradizionalisti, così vennero etichettati!) furono rare e sporadiche" tanto da spingere Sergio Tosato, cantante del gruppo torinese Contrazione, ad affermazioni quali "la nostra e la vostra anarchia forse non s’incontreranno mai" durante il Meeting Internazionale Anarchico di Venezia del settembre 1984 .

In precedenza si è parlato di hardcore, è bene ora prendere in esame questo particolare movimento. "Cominciò tutto a Wahington, D.C. attorno al ‘79-80.I Teen Idles furono probabilmente il primo gruppo abbastanza conosciuto a chiamarsi straight edge e promossero l’idea di uno stile di vita vigile e sobrio all’interno dell’allora decadente scena punk. Oltretutto, in modo da distanziarsi da quei gruppi che, considerati venduti e modaioli, caratterizzavano la nuova ondata punk, inventarono il termine HARDCORE. Hardcore significa appunto i più estremi ("hard core") fra i punks. Non poseurs (atteggiati) o modaioli ma ragazzi veramente dedicati (…) ad una scena." Si comincia anche a diffondere il concetto di scena intesa come "(…) l’unione spirituale, il radicato senso di fratellanza e sostegno che lega una piccola cerchia di gruppi musicali, quelle band che non si vedono realizzate in effimeri sogni di fama e denaro, ma che vengono appagate dal potere espressivo della musica e della continua ricerca di un proprio stile." La scena non riguarda esclusivamente i gruppi ma tutte le persone coinvolte nel giro hardcore, sia che esse siano attive in qualche modo, sia che siano "semplici" spettatori. L' hardcore immediatamente si diffuse ovunque negli Stati Uniti, in Europa e in altre parti del mondo, divenendo la forma musicale più adatta ad esprimere il dissenso e la rabbia presente nei testi sempre più orientati alla critica politico-sociale. Il termine hardcore, che appunto significa estremo, connota un genere musicale che pur mantenendo lo scarno song-writing del punk (un genere musicale fatto per la maggior parte da musicisti dilettanti e notoriamente nato in reazione ai virtuosi gruppi degli anni Sessanta e Settanta, gli unici ad avere effettiva esposizione) raggiungeva ora velocità notevolmente sostenute ed un cantato che diventa urlo.  La necessità di dissociarsi dall’attitudine nichilista e autolesionista del punk comunemente inteso (spesso causa di problemi ai concerti e non solo) darà luce ad una particolare forma di hc: lo straight edge. Termine nato dall’omonima canzone di un gruppo di Washington D.C., i Minor Threat (formatisi dalle ceneri dei Teen Idles). L’ideologia straight edge proponeva il dissociarsi dall’uso di bevande alcoliche, sigarette e droghe arricchendosi col tempo di istanze ecologiste e soprattutto vegetariane / vegane.  Con la loro etichetta, la Dischord di Ian Mc Kaye cantante e autore dei testi, i Minor Threat produssero i dischi di molti gruppi affini a tale ideologia, contribuendo a creare una forte scena. Anche il look hardcore risulta meno influenzato dalla moda punk. L’esigenza di distinguersi si affaccia anche esteticamente: scompaiono quasi totalmente le creste e i forti colori, in favore di un abbigliamento più sobrio. Diventano comuni i capelli rasati (soprattutto in ambito straight edge), felpe e pantaloni abbastanza larghi. Questa tendenza ad un abbigliamento più comodo è anche da ricercarsi nel fatto che molti hc kids erano anche soliti andare in skate board (tanto da formare un particolare sottogenere di HC chiamato proprio skate core). "Minor Threat (l’LP d’esordio) insegnò un nuovo modo di fare musica, radicalizzando l’attacco frontale del punk e modificandone in maniera sostanziale l’attitudine violenta ed autodistruttiva: laddove il punk primordiale propagandava in modo più o meno esplicito l’uso di droghe ed alcool come elemento di ribellione (di cui in definitiva tali strumenti erano l’antitesi) e dove l’odio ed il nichilismo dettavano legge, i Minor Threat contrapponevano quel lifestyle che in seguito, proprio dal titolo di uno dei loro brani più celebri, avrebbe preso il nome di straight edge. (L’hardcore) dava un violento scossone a qualsiasi formalismo, velocizzando in maniera abnorme il punk primordiale, proponendo suoni ancora poco prodotti ma devastanti, rinunciando alla sguaiatezza vocale in favore di parti ad alta energia ma più disciplinate e credibili: il risultato assumeva la forma di canzoni brevissime, lancinanti ed esplosive; l’hardcore vero ed incontaminato aveva fatto la propria comparsa in grande stile."  Pur condividendone l’origine (Washington D.C.) hardcore e straight edge non divennero mai sinonimi, connotando un particolare modo di suonare unito a testi per la maggior parte politicizzati il primo, ed una attitudine che si potrebbe definire "salutista" il secondo. Entrambi godettero di alcune abbreviazioni: l’hardcore venne spesso abbreviato con HC, mentre lo straight edge venne identificato con tre x ravvicinate: XXX. L’uso della x nasce dal fatto che: "L’Atlantic Club aveva una politica che permetteva ai minorenni di entrare ai concerti facendo, però, loro una x sulla mano con un grosso pennarello. Così facendo essi non potevano comprare alcolici al bar. (…) Quando il movimento straight edge emerse la X divenne un simbolo."  Come è noto, la legge degli Stati Uniti proibisce ai minori di 21 anni di comprare alcolici, ciò ebbe come diretta conseguenza che molti locali, dove prevalentemente si svolgevano i concerti, non permettevano l’ingresso ai minori. Farsi le X sulle mani e definire il movimento come youth crew (gruppo di giovani) divenne di uso comune a qualsiasi concerto straight edge.  La citazione di un fenomeno come quello dello straight edge può essere utile per vari motivi. Nella sua evoluzione, ideologica ma anche come pratiche distributive, si può travisare un esempio di separazione fra quelle che grossolanamente potrebbero essere definite come le "tribù punk". Una separazione che porterà Craig O’Hara nel sottotitolo al capitolo che dedica allo straight edge (nel suo libro The philosophy of punk) a definirlo: a movement that went from being a minor threat to a conservative, conformist no threat.  "L’estate del 1988 fu un vero e proprio spartiacque per lo straight edge. (…) La Revelation Records emerse per diffondere la nuova youth crew. Ma l’88 fu diverso dallo straight edge dei primi ’80. (…) alcune delle più conformiste e maschiliste (macho) attitudini della società presero piede nell’underground. (…) La nuova scuola sembrò cadere in un rigido set di regole imposte"  La nuova ondata di gruppi straight edge segnò il definitivo distacco del movimento dalla cultura DiY. Divenuto un fenomeno abbastanza ampio e diffuso, i cui gruppi passarono a grosse etichette, divenne presto sempre più intollerante e discriminatorio. L’attitudine violenta veniva considerata prova di forza e "purezza". Questa esaltazione della forza fisica introdurrà velocemente forti discriminazioni fino alla creazione del movimento Hard Line che si connota per le sue attitudini omofobe, sessiste e addirittura totalitarie. Su tale base ideologica troveranno giustificazione numerosi attacchi fisici e verbali.

Verso la seconda metà degli anni ottanta cominciarono a formarsi alcuni collettivi molto importanti per il DiY. Questi collettivi riprenderanno l’anarco pacifismo dei Crass per immergerlo in un contesto di piccole etichette e collettivi totalmente autoprodotti che, in reazione alla commercializzazione dell’hardcore e soprattutto alla sua sempre più crescente intolleranza, cominciarono a rifiutare ogni legame col music business creando pian piano un circuito autonomo. Nel 1986, influenzati da gruppi quali Discharge e Siege (di Boston che portarono l’hc a velocità mai raggiunte prima) e provenienti dalla scena di gruppi thrash hc inglese (Ripcord, Heresy, Concrete Sox, Dr. & the crippens e via dicendo, tutti dediti a un tipo di harcore molto veloce e politicizzato) i Napalm Death, di Birmingham, registrarono il loro primo demotape che venne ristampato un anno dopo come lato A del loro primo LP Scum su Earache Records (1987, numero di catalogo: mosh 3). Nasce il Grind Core. L’estremizzazione definitiva dell’hardcore e della musica in generale. Con un approccio estremamente caotico, testi estremamente politicizzati e apocalittici ed una voce che da urlata si trasforma in incomprensibile suono gutturale rauco e distorto, "nel suo estremismo (…) il grindcore può essere considerato il punk della seconda metà degli anni ’80. (…) È abisso dell’abiezione umana, pessimismo assoluto, catastrofismo senza ritorno (…) oltre vi è solo l’azione diretta.". Nonostante queste ottime premesse il grind core, sull’onda del successo delle etichette che ne avevano prodotto i primi dischi (Earache, Peaceville e Nuclear Blast) e dietro l’influenza dei Carcass (un gruppo dedito a testi splatter) divenne presto un fenomeno sviluppatosi anche in ambito metal. Proprio in reazione a questa "commercializzazione" e soprattutto per distinguere l’attitudine major-oriented dei gruppi più marcatamente metal da quella diy-oriented dei gruppi punk, si farà strada un termine che, pur connotando un genere simile, ne sottolinea una radicale differenza sia musicale che attitudinale: crust. Il termine fu coniato dal gruppo inglese Deviated Instinct "(…) per definire tutti quei gruppi formati da sporchi ubriaconi, (…) era un buon termine da urlarci addosso per farci quattro risate. Così come il termine stench-core (puzza-core), che era solo uno scherzo su tutti i vari core che si stavano diffondendo a quei tempi (fine anni ’80). Ma la gente lo prese seriamente…" Lo stesso look degli squatters risente molto dell’influenza del crust: diffuso è il taglio di capelli dreadlocks (più famoso per essere lo stesso dei rasta), un abbigliamento piuttosto trasandato, spesso sudicio con sopra cucite toppe inneggianti frasi di protesta e /o nomi di gruppi musicali o collettivi quali Animal Liberation Front, Hunt Saboteurs, Food Not Bombs oltre a inviti a boicottare lo stato e le multinazionali (tra le più prese di mira: Mc Donald’s, Nestlé e Shell). Tale modo di presentarsi non va confuso coi punkabbestia, "(…) fenomeno giovanile totalmente dedito al culto di un eccessivo uso di droghe e alcolici, all’autodistruzione, un generale e diffuso nichilismo, una totale assenza di rispetto nei confronti del prossimo nonché perenni disturbatori di qualsiasi iniziativa si cerchi di organizzare. Il DiY è un movimento propositivo che cerca di costruire delle alternative allo stato di oppressione al quale siamo condannati sin da quando nasciamo. È un movimento, per parafrasare i Crass, che si occupa d’amore… i punkabbestia ti vomitano addosso, molte volte letteralmente parlando, il loro odio e soprattutto la loro arroganza e ignoranza. Si definiscono punk e infatti lo sono: teste di cazzo a piede libero. Il DiY, e con questa parola intendo i crusties e gli squatters, è ben altro ed è insopportabile per me che qualcuno possa confondere le due cose." Altre precisazioni si trovano nella prefazione del libro Atti di insensata bellezza di George Mc Kay dove il traduttore Giancarlo Carlotti spiega "si è preferito utilizzare qui il termine punk crusties, usato nell’originale, piuttosto che punkabbestia, ormai molto diffuso in Italia per indicare l’ultima generazione di punk che vivono per lo più in strada, spesso accompagnati da cani e bottiglioni di vino a basso costo. Agli editori e soprattutto ai diretti interessati non piace l’uso spesso denigratorio del termine italiano." Musicalmente il crust, così come il primo grind core, è un genere sì veloce ma anche molto grezzo e suonato da musicisti non professionisti a dispetto del grind che tendeva ad essere suonato da musicisti professionisti. Ma la vera differenza è attitudinale: se da una parte i grinders sviluppano sempre più grafiche e testi ispirati al cinema splatter, i crusties (la distinzione rimane comunque piuttosto arbitraria) si distingueranno per i loro testi di chiara matrice anarco-pacifista. I primi temi affrontati furono la guerra al nucleare, il rifiuto della guerra, della religione, dello stato, la lotta al razzismo e al maschilismo ed una generale denuncia delle atrocità legate alla vivisezione. Col tempo le tematiche si allargheranno ad argomenti sempre più orientati alla difesa dell’ecosistema, lo sfruttatamento da parte delle multinazionali della natura e del terzo mondo, dieta vegana, diritti animali, occupazioni, brutalità poliziesca, globalizzazione, boicottaggio e via dicendo. Si svilupperà un desiderio d’autonomia sempre maggiore nonché un generale spregio per i gruppi "(…) che cambiano il loro stile musicale per cercare di fare soldi, vendendosi alle majors" un atteggiamento piuttosto diffuso in campo hardcore in quegli anni.

A New York nel 1988 nasce il collettivo Squat Or Rot fondato da Ralphie e Neil (già cantante dei Nausea e che più tardi fonderà anche una sua etichetta dal nome Tribal War). Gli intenti del collettivo erano di "permettere a molte persone di incontrarsi ed alle bands di suonare senza essere coinvolte nel solito "business club" (…) in seguito abbiamo iniziato a sostenere altre iniziative come la raccolta di cibo per i senza tetto (Food Not Bombs), benefit per i diritti animali e per lo Squatters Legal Defence Fund. (…) ciò ha permesso al collettivo di crescere, facendo così maturare la possibilità di aiutare a nostra volta i gruppi che tante volte ci sono stati vicini." Al collettivo si avvicendarono numerose persone e gli stessi fondatori vivevano in alcune case occupate a Manhattan. Più tardi Neil collaborerà con l’ABC No Rio, storico squat newyorkese. Dalle sue parole se ne evince come l’hardcore si fosse trasformato in un movimento piuttosto aggressivo ed elitario nonché come dalle loro azioni (e quelle di altri gruppi e collettivi crust) tutto sarebbe cambiato di lì a poco. "Alla fine del 1989 mi venne chiesto se potevo occuparmi dell’organizzazione di alcuni concerti dell’ABC No Rio. Devo essere sincero, e dire che non ero mai presente ai precedenti show di No Rio probabilmente perché la maggioranza dei gruppi coinvolti erano straight edge bands delle quali non mi ero mai interessato. Cominciai comunque a frequentarlo e a entrare nel collettivo (…). I concerti sono completamente illegali (inoltre) l’ABC è gestito completamente da volontari e siamo felici del fatto che vi regni un’atmosfera davvero amichevole e lontana dall’attitudine deleteria del "guardatemi, sono un duro" che ha portato alla fine dei concerti HC al CBGB’s (famosa sala concerti di New York). Abbiamo adottato una politica che pone un veto a persone e bands che sostengono argomenti quali razzismo, sessismo ed omofobia. (…) La violenza è bandita da questo luogo." Una nuova attitudine stava nascendo in reazione al degrado che l’hardcore aveva recentemente conosciuto (e che si sarebbe sempre più accentuato negli anni contribuendo ad una divisione sempre più netta). Del grande fermento underground DIY orbitante a N.Y. attorno al collettivo dell’ABC No Rio faceva parte anche Christine Boarts, autrice della oggi molto nota Sluge & Lettuce, una fanzine stampata in 8000 copie, in formato tabloid e completamente gratuita. Nelle sue pagine si trovano opinioni, indirizzi, pubblicità di etichette DiY (necessarie per pagare la stampa e quindi rendere la zine gratuita), recensioni, e foto di gruppi dal vivo scattate dalla stessa Chris. Uscita per la prima volta nel 1986 in Pennsylvania (la sua redattrice conoscerà vari spostamenti di residenza in futuro e con lei la sua zine) il suo obiettivo fu sin dal primo numero "… enfatizzare i contatti e la comunicazione all’interno della scena DiY punk." Diffusa mondialmente e bimensile, Slug & Lettuce è ancora oggi una delle più importanti fonti di informazioni sulla scena DiY.

Più o meno nello stesso periodo a Minneapolis nasce un collettivo la cui pubblicazione sarà fondamentale per la DiY punk mondiale: Profane Existence. "In realtà Profane Existence cominciò nel 1987 / 1988 quando cominciai la mia fanzine di nome Minneapolis Alternative Scene. Era una zine che si occupava della scena punk locale (…), essendo molto influenzato dai dischi anarco-punk cercai di parlare di politica oltre che di gruppi. Così come la zine cominciò a diffondersi, venni in contatto con molte persone che la pensavano più o meno come me e M.A.S. cominciò a perdere la sua specializzazione sulla scena locale. Mentre stavo lavorando al nono ed ultimo numero, venni contattato da un amico che voleva iniziare una etichetta discografica per supportare la crescente scena locale." Il primo numero di Profane Existence uscì nel 1989, anno in cui videro la luce anche le prime due uscite dell’omonima etichetta. Stampata in tipografia, con una tiratura che negli anni arriverà alle 15.000 copie e gratuita per i prigionieri politici, P.E. diverrà un punto di riferimento insostituibile per la scena DiY. Peculiarità propria di P.E. sarà la grande attenzione nei confronti di argomenti politicizzati di impronta anarco-pacifista mista a interviste, scene reports e recensioni. Sulle pagine di P.E. trovano spazio informazioni e aggiornamenti sugli squats, i prigionieri politici, un forte impegno eco-radicale ed animalista, anti-fascismo ed anti-razzismo nonché una costante denuncia della brutalità poliziesca, con contributi provenienti da tutto il mondo. Anche la parte musicale riguarderà sempre gruppi decisamente politicizzati ed anzi troverà ampio spazio la campagna di boicottaggio nei confronti del music business: DiY or DIE (fallo da te o muori) diverrà un efficace motto, ripreso spesso dalla scena. Oltre all’importante opera di informazione svolta dalla loro pubblicazione, i membri (col tempo saliti a nove) del collettivo Profane Existence cercheranno con la loro etichetta di costruire, insieme alla collaborazione di altre etichette sparse per il mondo, quello che diverrà poi un vero e proprio network autonomo ed autosufficiente. Il lavoro di Profane Existence, il cui motto è making punk a threat again (fare del punk ancora una minaccia), avrà un ruolo fondamentale nella sempre più crescente politicizzazione del movimento DiY, che sempre più poteva contare su nuovi gruppi, per la maggior parte crust-core, molto politicizzati ed attivi. "penso che quello che Profane Existence fece fu convalidare per iscritto la parte politica della scena, giustificarla moralmente (…) ribadire che quello che la scena stava facendo era giusto. Mentre le altre zines avevano giusto qualche articolo politico, Profane era tutta politica. Scrivendo delle azioni dirette e su quello che viene fatto e come." I membri del collettivo Profane Existence si impegnarono molto con la loro etichetta discografica e distribuzione per creare una rete internazionale di etichette autoprodotte che potesse evitare il circuito indipendente. "(…) All’inizio del ‘92 realizzammo altri tre dischi. Poi le cose cominciarono a complicarsi. A quei tempi non c’era una cosa come il network di distribuzioni DiY che conosciamo oggi, così dovemmo ricorrere alle distribuzioni indie." In pochi anni attorno a Profane Existence, Slug & Lettuce e ABC No Rio negli Stati Uniti, assieme al valido lavoro di alcune etichette europee (spesso facenti parte di collettivi ruotanti attorno a squats, fanzines e via dicendo) quali ad esempio la tedesca Skuld, partner europeo di Profane Existence, le inglesi Flat Earth (attiva fin dal 1984) e Active Distribution (dal 1986), la belga Nabate oltre a moltissime altre etichette piccole e grandi, si sviluppò rapidamente un network completamente autonomo che escluse sempre più radicalmente ogni contatto con i canoni ufficiali del music business, negozi specializzati compresi.

Nel 1994 Kent Mc Lard, possessore dell’etichetta hardcore Ebullition e collaboratore per MRR, decise di lasciare definitivamente la pubblicazione di Tim Yohannan per dare vita ad una fanzine stampata simile (per formato ma non per dimensioni) a MRR ma, a differenza di quest’ultima, maggiormente incentrata sull’hardcore, genere che a detta di Kent veniva troppo trascurato da MRR. Nasce HeartattaCk (abbreviato: HaC) una fanzine stampata in migliaia di copie e diffusa in tutto il mondo è che avrà anch’essa un enorme impatto sulla scena DiY. "la cosa divertente è che HaC è nata realmente dalla mia insoddisfazione per il fatto che Tim Yohannan / MRR decise di non sprecare le proprie energie occupandosi delle produzioni di quei gruppi che non gli piacevano. Continuo a pensare che sia assurdo ch’egli basi tutta la sua selezione sulla musica piuttosto che sulla ideologia (…) Ultimamente la sua opinione era che se a qualcuno non piaceva la sua attitudine avrebbe dovuto fondare il suo magazine e lasciargli condurre il suo come più ritiene opportuno. È quello che ho fatto, e ultimamente sono contento che questi cambiamenti siano avvenuti nell’ambito di MRR dato che dubito che altrimenti avrei tentato un progetto come questo." HeartattaCk ed Ebullition Records diverranno sin dagli inizi un vero e proprio punto di riferimento e "(…) un’esperienza dal valore inestimabile, capace di fungere da esempio e stimolo per decine e decine di altre etichette, band e fanzine nate successivamente. Ciò che la Dischord fu per gli anni Ottanta è stata e può esserlo la Ebullition per gli anni novanta. Lo stesso grosso impatto sulla scena, la stessa definizione di un proprio stile riconoscibile, attitudinalmente prima che musicalmente." "L’obbiettivo principale di HeartattaCk è di promuovere la ideologia del do it yourself e di cercare di creare una scena ch’io possa trovare interessante, eccitante e stimolante. Questo significa che con HaC voglio distanziarmi dal modello di MRR per avvicinarmi invece ad un modello simile a No Answers (La fanzine precedentemente curata da Kent Mc Lard, N.d.A.), cioè meno enfasi sul cercare di occuparsi della scena in generale ma concentrarsi piuttosto sugli aspetti che ritengo credibili." Con un netto rifiuto nei confronti del music business e di tutti quei gruppi dall’attitudine ambigua, misto a un generale impegno politico, HaC ed Ebullition avranno il grande merito di ripoliticizzare l’hardcore (genere che come si è già spiegato si era allontanato moltissimo dai suoi primi propositi), creare attenzione su altri generi generalmente non trattati in ambito punk (emo, post rock ed altro ancora) e, non ultimo, contribuire a diffondere in modo incisivo l’ideologia DiY.  "Musica come prodotto, come intrattenimento, come un diversivo, o musica come un’arma, come protesta, come grido, come espressione… musica come ebollizione. Questa è guerra all’intrattenimento, guerra alla compiacenza, guerra al moto della musica, guerra all’industria della musica. Musica che brucia l’emozione, che brucia la mente, che brucia il sistema, che ispira la guerra… La musica è più che note e accordi. La musica è uno strumento nelle mani dell’artista o del terrorista o del rivoluzionario." Ma musica (e stile di vita) anche come incontro / scontro di opinioni: "mi piacerebbe molto ricevere lettere e articoli che fungano da guerriglia di idee. Discussioni, critiche, dibattiti e disaccordi sono ingredienti chiave per avere una scena interessante, sana e vitale. (…) senza conflitto sprofonderemmo nel conformismo." Grazie all’importante lavoro di Kent Mc Lard l’hardcore, almeno una sua parte, si riavvicinerà all’etica DiY. L’opera di HaC, affiancata da quella (in un certo senso più radicalmente politicizzata) del movimento crust, porterà il DiY punk a dissociarsi completamente da tutte quelle situazioni piene di compromessi con le quali molti gruppi e collettivi si dovettero scontrare, e spesso assoggettare, durante gli anni ’80 e primissimi ’90. Per quanto situazioni autonome siano state presenti sin dagli inizi, si pensi a quanto detto a proposito della situazione italiana nei primissimi ’80, è solo con la seconda metà degli anni ’90 che il DiY riuscirà a costruire un network completamente autonomo ed autogestito che si regge su contatti diretti postali (e via internet), posti occupati, distribuzioni no-profit presenti ai concerti per diffondere dischi e pubblicazioni e via dicendo.

L’Europa, complice probabilmente la mancanza di una lingua comune, si doterà raramente di pubblicazioni a così elevata diffusione. (una menzione particolare va fatta per Reason to Believe, fanza stampata in tipografia e gratuita ampiamente diffusa in vari squat e distribuzioni europee estremamente vicina al concetto diy parlava sia di musica che di politica. Uscita nei primi anni del nuovo millennio, curata dal collettivo inglese attorno alla Flat Earth Records, dopo vari scazzi tipografici e di distribuzione ora sopravvive on line: http://www.rtbzine.org/). Ciononostante ogni scena locale poté contare sul fondamentale supporto delle fanzines locali, fotocopiate e spesso diffuse solo localmente ed in poche decine di copie. Retto da una fitta rete di scambi ed ordini diretti, il DiY trova oggi etichette, gruppi, fanzines e collettivi attivi in moltissime parti del mondo. Scorrendo le pagine di Maximum Rocknroll, Profane Existence, HeartattaCk ed altre fanzines più piccole, si leggono scene reports provenienti da tutti gli Stati Uniti, Europa (occidentale e orientale), Giappone, Australia, Canada, Sud America e via dicendo.  La radicale politicizzazione del movimento, porterà molte delle persone attive nella scena a scegliere di occupare e di vivere negli squats. I gruppi DiY danno molta importanza ai luoghi dove tenere un proprio concerto. Concerto che come unico compenso chiede un piccolo rimborso spese, un pasto (spesso vegano) ed un posto dove dormire. Tutti servizi forniti dallo squat stesso che è contemporaneamente anche l’alloggio delle persone che ospitano il gruppo. L’evolversi, durante il decennio appena trascorso, del movimento DiY verso istanze sempre più orientate verso l’eco radicalismo e l’azione diretta ispirata da un generale tentativo di "riprendere il controllo sulla propria esistenza" (take back control of your life, uno slogan molto diffuso nel DiY), porterà a cercare di sviluppare nuove soluzioni, così come l’incontro con altre realtà definite generalmente come "culture di resistenza" che ne condividono l’ideologia di base. L’analisi di queste culture di resistenza sarà oggetto del prossimo paragrafo.

Esaurita l’analisi dei movimenti nati dal "punk", è necessario analizzare le altre culture di resistenza all’interno delle quali ha attecchito e si è evoluta la cultura del DiY. Si tratta di quei movimenti che nel corso degli anni hanno sviluppato il bagaglio di idee lasciato dal movimento hippie degli anni ’60 e che hanno in comune una spiccata tendenza alla vita nomade in armonia con la natura. Si parlerà di travellers, ravers ed ecoradicali cercando di ripercorrere l’evoluzione ideologica di tali movimenti ricollegandoli alla cultura DiY.

Le feste e i concerti che seguono la pratica del no profit (intesa come nessun prezzo d’entrata o piccolo contributo) trovano un illustre "antenato" nel fenomeno dei Free Festival sviluppatosi in Gran Bretagna dall’inizio degli anni ’70. Festival o esibizioni "libere" e cioè senza prezzo d’ingresso o particolari norme da rispettare o seguire. George McKay riconosce nel festival di Windsor del 1972 il primo vero e proprio illustre antecedente, organizzato con lo spirito che contraddistinguerà moltissimi eventi simili da allora in poi.  Nonostante questa data storica, egli sottolinea come i free festival stessi avessero dei precedenti storici nella famosa Summer of Love del 1967 negli Usa da una parte e nella lunga tradizione di festival e fiere nella stessa Gran Bretagna dall’altra. La differenza principale tra queste prime fiere e i free festival  risiede nell’intenzionalità dell’evento. Infatti "In realà, i primi free festival, contrariamente ai semplici concerti gratis episodici, erano eventi commerciali che potevano andare male, essere contestati o avere troppo pubblico: (…) l’ultimo festival dell’isola di Wright attirò più di 250.000 persone, molte delle quali seccate per gli altissimi prezzi (…). Dopo un paio di giorni vennero abbattute le transenne e fu istituito un free festival." Windsor segnerà una vera e propria "differenza politica" nell’organizzazione e negli intenti dei free festival e sarà il capostipite della nuova generazione di simili eventi. Organizzato da Bill ‘Ubi’ Dwyer, che era uso vivere in una comune all’interno di una stazione dei pompieri occupata a Fleet Street a Londra, il festival di Windsor durò tre anni fino a quando (nel 1974), dichiarato illegale nel frattempo, verrà interrotto dalle forze dell’ordine. La particolarità del festival era proprio la sua locazione: Windsor infatti era il più esteso parco del regno. Intenzione del festival era riappropriarsi di quel terreno per secoli destinato alle cacce della famiglia reale. Nonostante la disfatta del free festival di Windsor, i suoi tre appuntamenti annuali segnarono l’inizio di un nuovo stile di vita controculturale. Lo stesso governo se ne rese conto, il rapporto del 1973 della Commissione Stevenson al ministero dell’ambiente dichiara: "Questi giovani hanno espresso il bisogno di fuggire dall’ambiente che li circonda e dalle inibizioni e limitazioni della vita di tutti i giorni, in particolare nelle nostre città, verso una situazione in cui poter sperimentare nuove forme di socialità e affrontare a viso aperto nuove concezioni e visioni della vita, per decidere da soli che cosa accettare o rifiutare."  Infatti l’anno della disfatta di Windsor segnò anche la nascita del più longevo e conosciuto free festival della controcultura inglese: il festival di Stonehenge, partorito dalla mente di Phil Russel alias Wally Hope alla cui organizzazione parteciparono anche Penny Rimbaud ed altri personaggi che pochi anni più tardi fonderanno il più importante e seminale gruppo musicale / collettivo punk anarchico della storia: i Crass di cui si è già ampiamente parlato. Lo stesso Rimbaud ci fornisce una descrizione dell’atmosfera che si respirava nei free festival parlando di quello di Stonehenge: "Fuochi, tende e tepee, bancarelle di cibo gratis, palchi e gruppi, musica e magia. Le bandiere sventolavano e gli acquiloni volavano. I bambini nudi giocavano nei boschi, come tanti Robin Hood in miniatura che festeggiavano la loro miseria materiale"  Importante sito archeologico, tempio, antico strumento astronomico, centro di potenti linee geomantiche e luogo di culto new age, Stonehenge si rivelò perfetto per "(…) farne un luogo per free festival, musica gratis, spazio libero per menti libere."  Protrattosi per oltre un decennio e della durata media di un intero mese, giugno, Stonehenge era una occupazione temporanea nata per celebrare il solstizio d’estate. Ma la sua importanza è anche legata alla tragicità degli eventi divenuti famosi come la battaglia di Beanfield del 1985, quando le forze dell’ordine attaccarono il Convoglio, la lunga fila di automezzi e veicoli che si stava recando al festival, con una brutalità inaudita. L’attacco al convoglio, di cui si parlerà fra poco, non fu il primo episodio di questo genere. Già nel 1974 l’ultima edizione di Windsor fu segnata essa stessa da una forte repressione poliziesca. "Ottocento poliziotti, per l’esattezza. La zona fu sgomberata, malgrado fossero state avviate trattative tra la polizia, i funzionari della proprietà della corona e gli organizzatori riguardo la collocazione del festival all’interno del Windsor Great Park."  Ma ciò che realmente contraddistinse l’azione fu la brutalità poliziesca: "La polizia trascinava via un ragazzo, prendendolo a pugni e a calci. Ho visto dare dei calci in pancia ad una donna incinta e un ragazzino colpito in faccia. La polizia caricava alla cieca"  Una simile esplosione di violenza si ebbe anche nel 1985 quando le forze dell’ordine fermarono il convoglio di furgoni e autobus (automezzi usati come proprie abitazioni dalla maggior parte dei traveller) diretti al festival di Stonehenge: "in un punto ideale per un agguato, un trivio fra i villaggi di Shipton Bellinger e Cholderton, la polizia approntò alcuni posti di blocco semplici e veloci fatti con sacchi di sabbia, che impedivano al convoglio di avanzare o di tornare indietro. Erano arrivati a un punto morto, con la gente intrappolata nei veicoli, le loro case, in una strada di campagna. Urla e prese in giro furono seguite da qualche gesto limitato di violenza mentre la polizia tentava di costringere i traveller a rispettare le ingiunzioni dell’Alta Corte fracassando parabrezza e finestrini a manganellate."  Per evitare la distruzione dei veicoli alcuni furgoni cominciarono a riversare nei vicini campi di fagioli dove, fallite le iniziali trattative con la polizia, seguirono dei violenti scontri che passeranno alla storia come la Battaglia di Beanfield (campo di fagioli, appunto). Fiona Earle mette in dubbio la definizione eroica di quei tragici eventi definendoli piuttosto: "(…) un vile attacco di uomini armati a famiglie tra cui molte donne e bambini".  "Alla fine, tutto ciò che poteva essere distrutto lo fu, gli agenti bucarono dai radiatori ai vasetti di yogurt, e alcuni cani furono uccisi su ordine della polizia. Furono eseguiti più di cinquecento arresti, principalmente per resistenza alla forza pubblica (anni dopo i capi d’accusa sarebbero stati respinti in blocco dal tribunale). Il conte di Cardigan, che all’inizio aveva dato alla polizia il permesso di usare la sua tenuta per l’operazione, rimase così colpito da quanto vide che a quel punto la consegnò al "Convoglio" come rifugio".  Si è in questa sede insistito sulla brutalità poliziesca per spiegare i motivi del generale acceso risentimento che tutta la controcultura nutre nei confronti delle forze dell’ordine, atti di violenza spesso denunciati in sede di sgomberi e manifestazioni. Ma perché tanta repressione? La risposta, che rimane incerta ancor oggi, può seguire varie ipotesi. Si potrebbe cominciare dalla natura stessa dei free festival e dei suoi avventori che costituivano una miscela piuttosto variegata di (neo) hippies, punks, traveller ed altre manifestazioni controculturali. Sottoculture che, negli anni, si influenzeranno e mescoleranno sempre più: "Se osservi la moltitudine di giovani presenti (sono pochi e sparsi i sopravvissuti degli anni Sessanta), i punk e gli hippy vestono quasi nello stesso modo, specialmente le donne con le lunghe gonne increspate, le giacche strane, i piedi scalzi e sporchi, pelle abbronzata e sorrisi facili, tonnellate di cinture e braccialetti che annunciano il loro arrivo. Talvolta solo la tinta dei capelli denota la differenza. Gli hippy uomini indossano pantaloni stretti (difficile trovare una leggera svasatura, i punk hanno i capelli lunghi. Tutto è potente è immediato, e la presenza intensa di unità di idee e stili di vita è un sentimento positivo, ficcante, quasi tangibile. Adoro stare qui. Mi sento sereno e a mio agio, credo in pace. È bello passare tre ore a passeggiare tra le bancarelle, gli spacciatori, la gente che sballa e si ripiglia, la gente normale, le strade polverose con le gobbe per far rallentare le moto truccate, dappertutto cartelli che pubblicizzano la maria, palchi con i tecnici che trafficano continuamente con gli impianti senza che suoni mai nessuno."  Questa l’atmosfera del free festival del giugno 1984 secondo George McKay. Questa "orda di straccioni" che viveva in camion (spesso automezzi rielaborati a tal fine), tende, capanne o sugli alberi e che soprattutto pensava solo a divertirsi secondo percorsi spesso al di fuori della legalità (gli stessi free festival, sempre più frequenti, lo erano), ha sempre più attirato le attenzioni delle forze dell’ordine e dei governanti. Ma non solo: "Noi che ci siamo radunati qui nel 1984 siamo una sfida e un’alternativa alla normalità e questo genera paura (tipo elicotteri della polizia che costantemente ronzano sulle nostre teste, (…) o alcuni pub del paese che espongono cartelli di rifiuto a servire chi arriva per il festival)." Ma oltre ai suoi avventori era la stessa natura del festival a destare preoccupazione, in quanto totalmente nuova, sconosciuta e potenzialmente sovversiva: "Rispetto alle manifestazione socialiste contro l’oppressione, i free festival erano celebrazioni anarchiche di libertà e, in quanto tali, costituirono un nuovo problema per le autorità costituite." Non solo un problema ma un vero e proprio affronto: "Il sospetto è che il festival di Windsor, al suo terzo anno, fosse cresciuto troppo, assumendo il carattere di un’aperta provocazione nei confronti delle istituzioni e della famiglia reale." Jay, traveller che era stato a Beanfield, riconsidera quegli avvenimenti in questo modo: "Riflettendoci ora si capisce perché l’hanno fatto. In quel periodo l’anarchia sfrenata che girava a intorno a Stonehenge aveva messo in allarme un sacco di gente. La cosa prendeva sempre più consistenza (…). I conservatori sono il partito della legge e dell’ordine e noi eravamo una spina nel culo, un esercito di pazzi che se ne andava in giro a rifiutare tutto ciò in cui loro credevano e incoraggiando gli altri a unirsi. Era il periodo degli yuppy , era quello il modello che inculcavano nella gente, era quello che avresti dovuto essere mentre noi eravamo esattamente l’opposto." Nonostante tutto, gli eventi del 1985 non riuscirono a determinare la fine dei free festival. Come si è detto da Windsor in poi una nuova controcultura si andava sempre più sviluppando: i traveller e cioè i "viaggiatori". La nascita e lo sviluppo di questi "nomadi della nuova era" (new age traveller) è da ricollegarsi direttamente allo sviluppo dei free festival in quanto "Molti traveller individuano in un free festival locale o nazionale il momento chiave che ha fatto loro intravedere la possibilità di una svolta, di una vita diversa, perché lì hanno toccato con mano l’energia e l’allegria della comunità." "Quando avevo 17 o 18 anni in Inghilterra cominciavano a esserci un sacco di festival. Io ci andavo, avevo cominciato a fumare erba… una volta sono andato a un festival e ho visto tanta gente che viveva viaggiando e ho pensato che mi sarebbe piaciuto vivere così. Dopo un paio d’anni, ne avevo più o meno 19, il mio amico Math si è comprato un autobus, ci si è sistemato, e io ho cominciato a andare in giro con lui. Abbiamo viaggiato due anni in Inghilterra e poi le cose si sono messe davvero male: il governo ha firmato il Criminal Justice Bill (Una legge spiccatamente repressiva di cui si parlerà più avanti). Dapprima sono andato a York e poi in Irlanda, e ci ho vissuto per due anni; avevo un asino. E al dorso dell’asino avevo attaccato un carretto e sono andato in giro così quasi per un anno; praticamente vivevo in tenda (…) Poi sono andato in Olanda. Siccome sono un musicista, suono per strada e spesso mi guadagno da vivere così (…). Poi sono andato in Australia, ho girato per un anno, poi ho deciso di tornare in Europa e adesso sono passati altri quattro anni…" Queste le parole di Chris membro di una crew (un collettivo) nomade di nome Total Resistance dedito all’organizzazione di free techno party illegali (o rave, o feste e via dicendo) in tutta Europa (l’intervista è stata fatta in Italia in occasione di un party al quale hanno partecipato). Non quindi degli emarginati ma delle persone, squatter e traveller, che rifiutano consapevolmente la società sfuggendone le regole imposte. Attorno alla fine degli anni Settanta e con l’inizio degli anni Ottanta ci fu il proliferare di fiere e free festival che fornirono ai traveller una sorta di "circuito" itinerante con tappe quasi settimanali. Tutto ciò favorì l’uso di viaggiare assieme: nasce il "Convoglio". Il "Convoglio" era formato da una grossa colonna di veicoli (principalmente camion, camper e autobus trasformati in vere e proprie abitazioni mobili) che si spostava di festival in festival. Le ragioni che spinsero i traveller a preferire viaggiare assieme, piuttosto che singolarmente, furono sia di natura pratica sia sociale. Viaggiare in gruppo permetteva sia di mantenere un certo grado di sicurezza sia un costante aiuto reciproco in caso di guasti o incidenti. Anche la crisi degli alloggi e una legislazione più severa nei confronti delle occupazioni abusive spinse molte persone a mettersi sulla strada, molti anche autonomamente (non in gruppo). La possibilità di portarsi dietro tutte le proprie cose, o per lo meno quelle ritenute più importanti, unita alla possibilità di vivere una vita nomade e sempre in giro per feste, fiere e accampamenti spingerà molti individui ad abbracciare questo nuovo stile di vita. Il primo passo è prendere un mezzo e riadattarlo in modo che possa diventare abitazione. La gamma di modifiche e di mezzi utilizzati è vastissima: si va dalle semplici automobili con sedili posteriori rimossi in modo da poterci infilare un materasso, a vecchi autobus di linea, fino ad arrivare a vecchi mezzi militari. Soprattutto agli inizi anche l’esterno veniva riadattato e spesso coperto di scritte pacifiste e simili, ma la sempre più crescente repressione e intolleranza nei confronti dei traveller, sia da parte delle autorità sia da parte delle popolazioni locali, spingerà molti a rendere i loro mezzi i più anonimi e inosservati possibile: "Se dall’esterno ricordano dei veicoli e non delle case, hai meno fastidi quando viaggi." I traveller non sono zingari. Quello che distingue nettamente queste due "tribù" nomadi è lo stile di vita alle quali si ispirano. Anzi gli zingari "(…) disprezzano quei parassiti (i traveller), quei fannulloni che vivono nella sporcizia, se ne fregano apertamente delle leggi che tutelano la proprietà privata, usano droghe, ascoltano musica orrenda, usano le siepi come combustibile, guidano veicoli pericolosi, chiedono l’elemosina, sono sporchi, hanno dreadlock (i capelli rasta) lunghissimi." Nel corso degli anni Ottanta e Novanta i traveller subiranno vari mutamenti dovuti ad alcune evoluzioni del contesto sociale esterno e interno. Si nota anzitutto un progressivo venir meno di alcune tendenze maschiliste o "patriarcali". Ciò è dovuto sia all’evoluzione dei costumi nella società tutta sia al significativo impegno di molte donne traveller che si ribelleranno al persistere, anche all’interno di una controcultura, di determinate istanze. "Quando Lubi è diventata una traveller, all’inizio l’ha molto colpita il fatto che anche gli accampamenti fossero spazi connotati dal genere, dove la proprietà e il potere erano distribuiti lungo direttrici uomo / donna, forse anche in modi più evidenti che nella cultura dominante."  Lubi si rese presto conto che "(…) non c’erano donne proprietarie del loro veicolo (…) esse dovevano contare sugli uomini per avere un tetto sulla testa, così si innescano strani giochi di potere."  Lubi reagì alla situazione organizzando un campeggio di sole donne in Galles nel 1991. Qui si dibattevano argomenti di interesse comune, si tenevano seminari e le donne potevano vivere serenamente coi loro bambini e sviluppare le conoscenze e l’esperienza necessarie per divenire in tutto indipendenti. Non solo, essa stessa trasformò da sola un vecchio automezzo radar dell’esercito lungo otto metri utilizzando materiali di riciclo, ricavandone la propria "casa mobile". La stessa Lubi descrive come fosse attratta "(..) dall’autonomia. Era tutto lì su quattro ruote e dovunque andassi ti potevi portare dietro l’intera casa (…). L’idea di essere completamente indipendente e nello stesso tempo mobile al cento percento." C’è comunque chi ne vede anche gli aspetti negativi come Vic che invece sottolinea come "quando possiedi un mezzo tuo (…) la cosa si fa più complessa per via degli aspetti legali, il mantenimento, il parcheggio." Il campeggio organizzato di Lubi non fu il primo ed anzi nutre un importante precedente nel presidio pacifista nella base americana di Greenham Common istituito nel settembre del 1981. Agli inizi del 1982 il presidio si trasformò in un campeggio per sole donne. Nell’estate dello stesso anno il Peace Convoy (il Convoglio di cui sopra) giunse al campeggio per istituire un free festival. L’evento ebbe un duplice importantissimo effetto: da una parte servì a politicizzare il convoglio, e quindi buona parte dei traveller, e dall’altra infuse nuova energia al movimento pacifista. Greenham Common non fu l’unico contatto, da allora ci furono molti incontri e scambi che favorirono una sempre più profonda politicizzazione del movimento. "(…) esistevano interscambi continui e un mescolarsi di idee e ideologie, dai cristiani radicali ai giovani punk passando per i vecchi hippy e i semplici fuori di testa. La spiritualità incontra la politica che incontra i traveller della nuova era". I contatti con i campeggi e / o le comuni fondate in mezzo alla natura o come presidi presso basi militari o, come nel caso negli anni Novanta delle spettacolari azioni di Reclaim the Streets e collettivi simili, per bloccare la costruzione di nuove strade a discapito di parchi o altre risorse naturali, non solo ebbero il merito di politicizzare fortemente il movimento ma inserirono anche nuove forme di abitazione possibile quali tende, tepee, capanne, case sugli alberi e via dicendo. Tornando alla critica alla società patriarcale ed agli atteggiamenti maschilisti, sessisti e omofobi, essa guadagnerà sempre più spazio all’interno della cultura DiY e ne diverrà un elemento centrale nella lotta alle discriminazioni. Traccia di questo cambiamento culturale e sociale la si trova anche nel look che si fa sempre più svincolato da connotazioni di genere: "gli abiti del movimento apparivano asessuati (perciò ‘maschili’), sporchi e laceri. Erano pieni di toppe rigide e di macchie d’unto (…) gli abiti degli squatter ricordavano le divise da lavoro dei minatori, degli spazzacamini. Erano altrettanto grezzi e sporchi, solo che non venivano sostituiti dopo il lavoro da indumenti sportivi di marca." Le toppe a cui si fa riferimento sono usate moltissimo nel DiY. Attaccate spesso a casaccio sui vestiti, esse non hanno lo scopo di coprire qualche buco, che anzi in genere viene lasciato in bell’evidenza come ulteriore simbolo di logorio, ma bensì con un preciso scopo comunicativo. Non si tratta di toppe comuni, ma di toppe autoprodotte con sopra stampate delle immagini e / o degli slogan inerenti o un messaggio politico o un gruppo musicale o entrambi. La vita nomade dei traveller e quella in case occupate, dove spesso alcuni servizi elementari mancano, darà all’interno del movimento una nuova immagine della sporcizia considerata da alcuni come "(…) un segno della differenza, dell’alterità, dei traveller e degli altri gruppi marginali."  Una colorita descrizione del tipico crustie permette di completarne la descrizione: "Agosto 1993, a Glasgow (…). Fuori da un supermercato vicino a un negozio anarchico occupato, un tipo sciatto troppo giovane per essere stato un hippy o un punk ma che sembra un brutto incrocio tra i due mi si avvicina. Dreadlock lunghi e unti, pantaloni militari strappati, un maglione a strisce stile Dennis the Menace, anfibi militari usati mezzi slacciati, un’esagerazione di piercing in faccia, mi fa con un accento campagnolo con qualche influenza cittadina: ‘Hai della roba che ti avanza, amico?’. È un crustie, e io mi sono tenuto alla larga." In realtà si nota come in campo traveller si usi spesso il termine crustie, che deriva da crust (crosta, in chiaro riferimento alla sporcizia), in modo vagamente negativo, mentre accade l’esatto contrario in campo punk. I motivi di questa discrepanza rimangono ignoti e probabilmente collegati alla molteplicità ed alla instabilità delle definizioni. In accordo con George McKay si sostiene anche in questa sede la tesi secondo la quale "(…) i free festival e le fiere di Albione siano stati aspetti fondamentali della cultura di resistenza inglese, aspetti che nascono con gli hippy e che sono stati modificati e rivitalizzati dagli eventi sottoculturali successivi. Queste Zone Temporaneamente Autonome mettono in discussione i limiti della cultura dominante, producendo talvolta dei momenti di reazione violenta all’interno e all’esterno." Ed è proprio sull’onda di questo assunto che possiamo introdurre la cultura di resistenza che più ha caratterizzato gli anni Novanta: i raver e la technocultura.

Negli anni Novanta i free festival subiranno un radicale cambiamento: la musica smette di essere suonata esclusivamente da gruppi musicali e si inserisce sempre più la techno che permette di tenere i sound system (giganteschi complessi di casse altoparlanti dietro le quali il disk jockey fa il suo DJ set) accesi per giornate e nottate intere. I free festival si "tramutano" in free parties o teknival o rave, il cambiamento produce nuove realtà che attirano persone provenienti dalle più disparate controculture e non: nasce la technocultura. È una vera e propria "rivoluzione in 4/4". La trasformazione non è immediata e nemmeno definitiva. Come spesso accade nell’ambito delle contro culture, esse si influenzano vicendevolmente e le loro mutazioni non sono mai nette o istantanee. Un’ulteriore specificazione riguarda i termini usati per definire la technocultura, sia per quello che riguarda il termine che più spesso è usato per descriverne gli "adepti", raver, sia per quello che riguarda la musica e cioè techno. Entrambi sono due termini "ombrello" che racchiudono al loro interno diverse tipologie e forme d’espressione. Come techno si definisce generalmente la musica dei free party e cioè musica elettronica la cui funzione è quella di permettere alla gente di ballare. Esistono molti sottogeneri preposti a definire i vari stili della musica elettronica in uso nei rave. La techno è uno di questi sottogeneri, ciononostante è di uso comune usarla come definizione generale. Ma non solo: la musica techno crea un flusso, non si tratta più di hits o canzoni famose, ma di un flusso continuo di musica mixata sullo stesso tempo, generalmente in quattro quarti. Quindi il lavoro del DJ non è più il selezionare delle canzoni, ma piuttosto il creare un flusso continuo di suoni, un’esperienza che può durare ore, giorni, settimane.  Questa possibilità ridefinisce lo stesso concetto di festa che ora diventa continua, non più vincolata, com’era in principio, ai concerti. Lo star system si annulla, la musica si trasforma in un vero e proprio crescendo di emozioni e sensazioni che guidano l’individuo verso una dimensione sempre più estatica e che stimola un sempre più crescente interesse nei confronti delle droghe sintetiche e allucinogene. Nella scena illegale, quella di cui ci occupiamo in questa sede in quanto l’unica importante per il DiY, i ruoli si annullano. Il DJ, personaggio di spicco nei club, scompare dietro al muro di casse del sound system. Concettualmente simile ai concerti DiY punk, dove spesso si elimina anche il palco e dove non c’è distinzione fra musicisti e pubblico, il rave va oltre. La "democratizzazione" della musica fornita dalle nuove tecnologie riesce dove il rock ha sempre fallito: l’eliminazione della differenza e della figura del fan. Democratizzazione che nasce dalla possibilità di creare musica senza nemmeno conoscerne le basi, pur avendo a disposizione ogni tipo di suono immaginabile e campionabile. "Il raver non è un fan. Il raver cioè non e riconoscibile come acquirente delle strategie di mercato. (…) la techno, e tutte le sue sottoetichette, rappresentano un settore in controtendenza del mercato discografico: mentre si è ormai già imposto il CD come supporto-formato privilegiato, i mix di musica techno, oltre a raggiungere difficilmente le classifiche, vengono venduti prevalentemente in vinile (Il vinile è usato ancora moltissimo anche in campo DiY punk ed anzi rappresenta la maggior parte delle sue produzioni. NdA). Inoltre questi non sono facilmente reperibili perché il numero di copie stampate è piuttosto basso, dato che costituiscono un ‘esclusivo’ strumento di lavoro per i DJ (…). In secondo luogo mentre il fan classico è uno spettatore del concerto, il rave rappresenta il superamento della performance ‘live’, (…) il DJ manipola musica registrata, la consolle è molto più nascosta rispetto al palco, la folla non si raduna per guardare verso un’unica direzione ma semmai per guardarsi."  La scena dei free party si articola attorno a delle occupazioni spesso temporanee. Quelle che Hakim Bey definisce come T.A.Z. e cioè Temporary Autonomous Zone consistono principalmente in aree dismesse, edifici abbandonati che vengono utilizzati per organizzare una festa. Esistono anche casi di party organizzati in quelle che lo stesso Bey definisce P.A.Z.: Permanent Autonomous Zone vale a dire le occupazioni stabili, gli squats. Fisse o volatili che siano tali zone sono quelle che vengono spesso definite come "spazi liberati" e ricontestualizzati. Viene spesso posto in evidenza come vecchi magazzini un tempo fabbriche ora in disuso vengano trasformati da "(ex) templi del lavoro" a veri e propri "templi del divertimento". Divertimento totalmente svincolato dalle logiche produttive in quanto proposto come festa gratuita e non come prodotto ad uso e consumo di una "massa pagante". Prima di passare ad una breve storia dell’evoluzione del fenomeno dei rave illegali è bene specificare il significato di alcuni termini comunemente usati per definire le feste: "è una cosa di cui si discute spesso e forse anche un po’ a sproposito. In genere rave e free party significano la stessa cosa, cioè le feste organizzate clandestinamente, di solito in fabbriche abbandonate, a base di musica techno ininterrotta per almeno una ventina di ore, ad ingresso gratuito o sottoscrizione minima per lo sbattimento di chi ha organizzato, poi la cosa è molto variabile. I teknival in genere sono gli eventi all’aperto estivi o primaverili in cui ci si organizza in posti in culo al mondo (in genere in montagna) con una moltitudine di sound systems, tende, furgoni, ecc. per stare lì una settimana o anche di più." è da sottolineare inoltre come sempre più si tenda a sostituire il termine "rave" con "party" o "festa" in quanto tale termine è da sempre stato usato anche per definire organizzate nei club. Ciò risponde chiaramente ad un sempre più crescente desiderio di distinzione. La prima volta che appare il termine "rave", che significa "estasi" o "delirio", sarà in occasione di un festival jazz nel 1961: il Beaulieu Jazz Festival in Inghilterra, festival propagandato da vari volantini sparsi per la città che recitavano "Rave tutta la notte". Si hanno ulteriori testimonianze di un successivo utilizzo del termine cinque anni dopo in occasione di un festival rock.  Ma queste prime apparizioni del termine nulla hanno a che vedere con quello che viene comunemente inteso per rave né tantomeno col periodo storico. Il Rave è infatti un fenomeno tipico dei tardi anni Ottanta, sviluppatosi dapprima nei clubs e poi spostatosi in capannoni occupati e free festival fin dai primissimi anni Novanta, anni in cui conoscerà il suo più fiorente sviluppo. È utile risalire alle origini della musica dei rave per poterne capire il background e l’evoluzione. "Chicago primi anni Ottanta. La leggenda vuole che tutto nasca da lì, al Warehouse, un club frequentato soprattutto da afroamericani e gay, gli esclusi dai ritmi piccolo-borghesi della disco-music americana. E quando non c’è la musica che vuoi ascoltare il miglior modo per trovarla è fartela da solo, in casa appunto" da cui "house" (casa) uno dei più grandi filoni di musica elettronica dance. "Disk-jockey schizofrenici cominciano a mixare i dischi soul e funky con ineizioni tecnologiche rubate ai Kraftwerk, la bass-line tirata fuori dal flop commerciale della Roland: la TB-303 venduta ormai praticamente a prezzo di costo. Ed è acid-house." Intanto a Detroit un’altra rivoluzione è in atto: "(…) il mood è simile. Meno soul, nessuna voce, suoni più minimali magari usando la TR-808. Il gioco resta lo stesso: cut and paste sonoro in epoca pre-Macintosh. Techno music."  Ma per uscire dal circuito dei club si dovrà aspettare la fine degli anni Ottanta e trasferirsi in Inghilterra dove a seguito dell’esplosione del fenomeno rave, assieme al crescente affermarsi della techno e delle droghe sintetiche e allucinogene, si sente sempre più l’esigenza di organizzare i party in luoghi sempre più grandi. Nascono le prime occupazioni temporanee di capannoni abbandonati nella periferia industriale attorno al 1988 – 1989. I party, che per ovvi motivi devono rimanere segreti fino all’ultimo momento, vengono propagandati attraverso volantini lasciati nei posti giusti, passaparola, segreterie telefoniche, segnali stradali cammuffati e, col suo espandersi, internet. "l’house inglese finisce per trovare concatenamenti con la scena underground radicale freak e punk, con il neopaganesimo già magneticamente rivolto a Stonehenge e ai suoi free-festival (attività mai giunta a esaurimento da quelle parti)."  I contatti fra raver e traveller diverranno sempre più frequenti portando molti raver ad adottarne lo stile di vita nomade e itinerante tanto che moltissimi sound system si riuniscono in delle crew (gruppi) che girano Europa e mezzo mondo sui propri furgoni, mezze case e mezzi depositi per gli impianti, organizzando feste ovunque si trovino. C’è una forte polemica sul fatto se i raver siano veramente politicizzati oppure no. C’è chi li accusa di essere esclusivamente interessati alla dimensione edonistica del proprio stile di vita, trascurandone gli aspetti più controculturali e politici. Non si ritiene interessante addentrarsi molto nella polemica. Ci soffermeremo piuttosto nelle potenzialità insite nella technocultura. Va rivelato come innanzitutto sia un’agenzia che raccoglie, grazie alle sue feste, l’attenzione di variegate frange di giovani alcune anche piuttosto diverse tra loro. Sebbene si riscontri una generale e conscia politicizzazione da parte dei ragazzi che gestiscono i sound system, le tribes, il pubblico in generale non è altrettanto conscio. Ciononostante è innegabile come per molte persone il rave illegale sia una esperienza talmente fuori dai canoni da sconvolgerne l’esistenza, fino a spingerlo ad adottare uno stile di vita simile.  "(…) si instaura e si focalizza il bisogno esistenziale di rompere ogni limite di una legalità illogica e repressiva. Il rave illegale raggiunge il valore massimo nel momento in cui ogni singolo partecipante riesce a estrapolare, da un’esperienza del genere, il bisogno di essere antagonista in termini pratici nella realtà quotidiana e quindi opporsi a ogni forma repressiva che grava sulla sua esistenza menomata nella libertà di espressione. Non più leggi dogmatiche a cui sottostare, non più ipocrite verità assolute da ingoiare aprioristicamente, non più ruoli a cui adeguarsi bensì libertà di essere e di agire, contro ogni forma di massificazione, omologazione e livellamento imposto dall’alto verso il basso. Il rave si fa così mezzo di appropriazione di un concetto di uguaglianza in quanto rispetto e scambio di diversità."  Tutto nel rave abusivo è completamente diverso dal divertimento "preconfezionato" dei locali. Nei rave non esistono servizi d’ordine, troppo spesso colpevoli di pestaggi e violenze. L’entrata è libera per chiunque e non è soggetta a selezione all’ingresso basata su abbigliamento o conoscenze. Non c’è il prezzo d’entrata o quando c’è, viene chiesta una sottoscrizione libera o un contributo di 5000 lire. Nei locali, quando si organizza un rave o una festa simile, viene di solito richiesto un prezzo d’ingresso non inferiore alle 50000 lire. "Anche per le ragazze la situazione è molto diversa: non esiste da parte dei ragazzi l’intenzione di andare ad un rave illegale col preciso scopo di "cuccare" con tutte le fastidiose "tecniche" tipiche del maschio medio. Se tali comportamenti accadono la vittima di tali attenzioni riceve un generale supporto e chi le ha dato fastidio viene allontanato. L’atmosfera è totalmente libera, nessun controllo, ed è amichevole anche grazie all’uso di droghe come l’ecstasy che predispongono l’individuo alla socialità, alla comunicazione ed al benessere in mezzo agli altri." "Credo che questo segni la differenza tra la scena rave e quelle precedenti. In ecstasy non sputi sulla gente, l’abbracci. Questo modo di sentire costituiva il lato sacro dell’esperienza rave che ancora oggi esiste. È una festa della positività." Queste per lo meno alcune delle caratteristiche principali che ne hanno segnato il successo sin dagli esordi. "Il divertimento non è una merce da comprare poiché risiede in ognuno di noi, ed è la sua espressione in contesti autogestiti in movimento che permette di innescare il processo di liberazione. (...) i divertimentifici (le discoteche) altro non sono che istituzioni mediatrici degli squallidi valori dell’organizzazione sociale, valvole di sfogo per gente alienata (…)"  La stessa natura del rave viene vissuta come profondamente politica: "C’è chi lega automaticamente il termine ‘politica’ a quello di ‘ideologia’, snaturando il significato originario di cambiamento pratico della realtà circostante. Il rave è esattamente la destabilizzazione di questo riflesso condizionato, l’indicatore palese del passaggio dalla forma politica ideologica a quella pratica, comunicativa, di azione diretta." Un esempio di un utilizzo più politico dei rave ci viene fornito dal collettivo inglese Reclaim the Streets che è riuscito ad organizzare immensi free party, capaci di aggregare migliaia di persone, al fine di bloccare la costruzione di arterie autostradali dannose per l’ecosistema, parchi e campagne. Si parlerà più diffusamente di Reclaim the Streets nel terzo capitolo, si è fatto questo esempio per sottolineare, ancora una volta, il continuo e reciproco influenzarsi di tali sottoculture i cui confini si fanno sempre più labili e opinabili. Caratteristica propria del rave è quella di "adottare una strategia nomade, un attaccare in movimento, un essere sempre presenti e sempre invisibili, impalpabili. Si generano, in questo modo, derive metropolitane cadenzate aritmicamente da non-luoghi di disordine controculturale."  Centrale nella technocultura è la pratica dell’autoproduzione intesa come efficace mezzo per provocare "(…) l’incrinatura del music business. Per infettare la società e distribuire espressioni controculturali nella ricerca di un boicottaggio al sistema economico, (…) in modo da avere l’autogestione di ciò che si vuole comunicare senza pericolo iniziale di manipolazione e, in più, mantenere una politica di contenimento dei prezzi che permetta l’approccio per chiunque si voglia avvicinare a ciò che viene comunicato. L’autoproduzione non deve nascere solo in ambito musicale o editoriale, bensì espandersi in ogni campo, così da creare un sistema di penetrazione o contaminazione multiforme."  Alessandro, membro della crew techno milanese Qirex amplia ulteriormente il discorso: "Nella musica in generale e nella techno in particolare l’autoproduzione è fondamentale. Io ho sempre comprato dischi da distribuzioni underground o direttamente da chi li faceva quando ne avevo l’occasione, questa mi è sempre sembrata un’ottima cosa per tenere basso il prezzo dei dischi, diffondere i propri lavori in modo orizzontale e conoscere più da vicino chi produce cose con una mentalità simile alla tua. Nella techno questo concetto è spinto ancora più all’estremo, praticamente ci sono solo autoproduzioni, capita poche volte che uno produca un disco con la musica di un altro, la maggior parte delle etichette è composta da un nucleo ristretto di persone che fanno cose simili e si aiutano a vicenda per registrare, produrre, fare cose nuove, distribuirle, ecc. la distribuzione dei dischi techno, o almeno di quelli underground con la musica che si ascolta alle feste, è una cosa molto genuina. Per capire meglio questo concetto posso dirvi che nella maggior parte dei casi chi fa la musica, chi registra il disco , chi mette i soldi per la stampa e chi lo distribuisce sono la stessa persona che poi sarà anche uno dei tanti dj che mixeranno il disco durante una festa." La discussione continua sulla politicizzazione del movimento: "sì, certo. Il movimento techno è molto politicizzato anche se non penso che parole come politica (almeno nel senso classico del termine, cioè conseguire decisioni mediante la discussione pubblica), ideologia o movimento siano molto adatte ad inquadrare questa situazione. Si tratta semplicemente di fare delle scelte, a volte anche estreme. L’autoproduzione non riguarda solamente il fatto di stampare un disco con la tua musica a spese tue, spesso è un concetto che si estende ad altri aspetti della vita. Molta gente che frequenta la scena techno, soprattutto in Inghilterra ed in Francia, ha lasciato casa per vivere sui camion o nei furgoni. Questo secondo me è uno dei rifiuti più radicali che si possano fare nei confronti di una società, significa non condividere assolutamente il modo di vivere comune fino al punto di distaccarsene completamente. Ci si rende facilmente conto che per chi vive queste situazioni di nomadismo l’autoproduzione può diventare l’unico modo per sopravvivere. Non ci sono più contatti con il mondo di tutti i giorni, non hai più una casa, non hai più lavoro e nemmeno una città fissa. Si autoproduce uno stile di vita, non un semplice disco."  Così come per molti traveller anni prima, anche per i raver la festa può essere un primo passo verso un mondo completamente nuovo, libero e alieno da costrizioni. Diversamente dai traveller, coi quali all’inizio nacquero alcuni contrasti ora sedati, i raver non disdegnano la tecnologia ed anzi ne fanno un ampio uso: computer, campionatori, internet, cellulari, sound system, computer grafica e via dicendo sono tutti elementi centrali nella technocultura. "(la tecnologia) rappresenta il medium creativo, la capacità di dare mille forme comunicative al proprio sentire."  Nasce il concetto di cyber inteso come utilizzo delle tecnologie più diverse non per produrre una merce ma per creare cultura antagonista. "(la parola) cyber ha finito per divenire la metafora del moderno, cioè il termine da applicare a tutto ciò che fa in qualche modo riferimento al concetto di nuovo applicato alle tecnologie, siano esse nel campo della comunicazione, della ricerca, dell’intrattenimento, o soprattutto dell’estetica e del costume" Centrale nella technocultura è anche il culto delle droghe sulle quali viene diffusa la maggior quantità di informazioni possibile in modo da evitare i tragici incidenti del passato, anche decessi, e spingere alcuni su una dimensione più "esperenziale" piuttosto che semplicemente da "sballo" fine a se stesso. C’è anche chi non ne fa uso riuscendo comunque a raggiungere una dimensione "alterata" grazie al flusso musicale. La questione è lunga e controversa e, del resto, non affrontabile in questa sede. L’uso delle droghe psicoattive, un immaginario di derivazione psichedelico e l’interesse, da parte di alcuni, per culture e filosofie orientali o ataviche ha favorito la nascita del termine "tecnosciamanesimo". Anche il look si sta definendo attorno ad un abbigliamento principalmente comodo fatto di pantaloni molto larghi di derivazione hip hop, felpe con cappuccio e cappellini con visiera con occasionali spille e borchie, il tutto condito con la classica sporcizia di fondo. Significativo è il linguaggio del corpo che si esprime attraverso piercing, tatuaggi e scarificazioni (cicatrici autoinflitte e trattate in modo da lasciare un segno permanente). Come spesso accade in questi casi, leggi nate per soffocare le controculture ne favoriscono la fusione e il vicendevole scambio e supporto.  Nata per reprimere traveller, squatter, raver ed altre sottoculture il Criminal Justice Act, varata in Inghilterra nel 1994 dal governo conservatore, ha provocato vere e proprie ondate di protesta che furono da stimolo all’incontro fra le realtà più diverse "Ora anche le casalinghe e gli studenti si uniscono agli ambientalisti e ai punk sulle barricate per sfidare la legge."  Ma oltre ad aggregare e incrociare varie sottoculture il CJA avrà il merito, certamente non desiderato da chi lo istituì, di radicalizzare e politicizzare il pensiero di moltissimi individui, raver e traveller inclusi. Attraverso l’analisi del CJA possiamo passare allo studio dei movimenti di stampo ecologista e anarchico che fanno dell’azione diretta non solo una forma di protesta ma anche un modo di vivere secondo le idee che ispirano quella che più volte si è definita come "cultura DiY", che è la stessa che ha ispirato le sottoculture finora presentate e che, dall’incontro / scontro fra le stesse, ha tratto nuova energia.

Nata con l’intento di reprimere la maggior parte delle sottoculture il Criminal Justice Act finiva per sopprimere molte libertà individuali: "Sebbene ami dipingersi come partito della legge e dell’ordine, (il partito conservatore) ha finito per favorire la più grande avanzata del crimine del secolo. L’arrivo del CJA ha soltanto polarizzato ulteriormente l’opinione pubblica." Per capire i motivi di un’aggregazione così vasta e variegate è necessario analizzare più in dettaglio il CJA. Secondo le critiche di Freedom Network, una organizzazione che offre sostegno e supporto alle vittime del CJA, esso dota di nuovi strumenti repressivi le forze dell’ordine britanniche. Con la sua introduzione viene cancellato il diritto al silenzio in sede di arresto, anzi viene addirittura rovesciato il suo significato in quanto il rifiuto di parlare da parte dell’imputato può essere usato contro di esso in tribunale. Il CJA, inoltre, autorizza all’uso della forza per prelevare campioni "intimi e non intimi" (capelli, peli, saliva, pelle ecc.) al fine di creare una banca dati del DNA. Sarà ora la polizia a decidere le condizioni della cauzione e non più la magistratura. Prevista anche l’istituzione di prigioni private per detenuti dai 12 ai 14 anni e navi prigioni per il trasporto non sottoposte a controllo pubblico. Le occupazioni, in un paese che vanta oltre 50000 persone che vivono in proprietà occupate o abbandonate, diventano più precarie in quanto viene soppresso l’obbligo di notifica al destinatario dell’avviso di sgombero che, con le nuove disposizioni, può avvenire nel giro di 24 ore. Queste norme, nate per reprimere gli squatter, possono essere agevolmente usate contro chi ha ipoteche scadute o da padroni di casa privi di scrupoli. Vengono varate anche alcune norme contro gli "sconfinamenti" in proprietà private o pubbliche, chiaramente rivolte a cercare di reprimere traveller, raver e collettivi come Hunt Saboteurs (gruppi di persone che si introducono nelle tenute durante le partite di caccia per impedirne il regolare svolgimento). La polizia può confiscare automezzi e sound system che spesso vengono distrutti o danneggiati in modo irreparabile. Questo non fa che aggravare il già ingente problema dei senzatetto in Gran Bretagna se si tiene presente che per la maggior parte dei traveller e raver hanno ricavato dai propri automezzi le proprie abitazioni. Il CJA si scaglia esplicitamente contro gli acid house party conferendo ampi poteri di sgombero alle forze dell’ordine nonché di arresto per chiunque stia organizzando, frequentando o anche solo aspettando una "riunione illegale". Non solo: il semplice sospetto che anche appena una decina di persone siano in attesa o in preparazione di tale evento, conferisce alla polizia il potere di disperdere tali persone, o di arrestarle se preferisce. Addirittura un poliziotto può procedere all’arresto se "crede ragionevolmente" che l’individuo in questione abbia intenzione di partecipare ad una protesta. Le possibilità di abuso di potere insite nelle succitate norme, che sono solo alcune fra le tante previste dal CJA, permettono di sottolineare alcuni fra i diritti umani fondamentali violati dalla legge, quali ad esempio il diritto di protestare (Art. 11 della Carta europea dei diritti umani), il diritto ad una casa sicura (Commissione Onu sulla Risoluzione dei diritti umani), il diritto a uno stile di vita nomade ("tutti hanno diritto alla libertà dalla discriminazione", art. 18 della Convenzione europea dei diritti umani) e il diritto a fare festa ("tutti hanno diritto di associazione", art. 11 della Convenzione europea dei diritti umani). Più grave ancora: nuove regole introdotte dal dipartimento dei servizi sociali autorizzano a negare l’assistenza pubblica a chiunque "abbia capelli e abbigliamento disordinati" o "l’aspetto di uno stile di vita alternativo". In un clima di repressione tale, non stupisce che molte sottoculture si siano avvicinate all’azione diretta e ad un pensiero politico più radicale. Ma perché esse non si sono appoggiate alle istituzioni politiche, all’opposizione? La risposta è unanime e anche piuttosto semplice: "come i democratici negli Stati Uniti con il Crime Bill di Clinton, il Partito laburista inglese non si è opposto in maniera attiva al CJA, per paura di sembrare ‘morbido verso il crimine’. Mentre alcuni di loro hanno protestato contro la legge, la leadership ha scelto di astenersi."  La fallacia delle istituzioni politiche viene maggiormente denunciata dai numerosi collettivi che si battono per la salvaguardia dell’ecosistema contro l’avanzata imperante dell’industrializzazione. Su tali individualità grava un senso di urgenza nutrito dalla coscienza degli irreparabili danni che quotidianamente vengono perpetrati nei confronti della nostra Madre Terra. "in realtà ci stiamo avvicinando verso il declino sociale e ambientale che, non c’è dubbio, vanno di pari passo. Non c’è nessun valido motivo di sperare nei partiti politici. L’unica cosa da fare è concentrarsi su ciò che ci fa arrabbiare di più e scegliere l’azione diretta: è l’unico modo che abbiamo per ottenere qualche cambiamento, e non abbiamo niente da perdere." Attivi nel campo dei diritti animali, dell’ecoconsumo, ispirati da un forte sentimento anticapitalistico di ispirazione anarchica, collettivi quali Earth First!, Green Anarchist, Food Not Bombs, Reclaim the Streets, Animal Liberation Front, Hunt Saboteurs e tanti altri (di cui si parlerà più diffusamente nel terzo capitolo) fanno dell’azione diretta la loro arma per contrastare la distruzione dell’ecosistema. In un contesto di azioni locali per un bene comune, think globally, act locally (pensa a livello globale e agisci a livello locale) diventa presto un celebre motto volto a spingere le persone ad agire: campeggi per bloccare la costruzione di strade, sabotaggi, boicottaggi, incursioni nei laboratori di vivisezione per liberare gli animali e molte altre azioni di questo genere vengono fatte per rispondere attivamente ad un problema altrimenti irrisolvibile seguendo i canoni ufficiali della mediazione politica, in quanto pieni di compromessi e lentezze burocratiche che fanno inabissare tutti gli sforzi della maggior parte delle organizzazioni ecologiste ufficiali (con le quali gli attivisti sono spesso in aperto contrasto). In questo contesto si inserisce anche il rifiuto, di stampo prettamente anarchico, dell’organizzazione secondo modelli gerarchici. Earth First!, per esempio, spinge nei suoi comunicati le persone a creare dei propri network a livello locale in modo da impedire di "(…) accentrare tutte le informazioni e le analisi del movimento su uno o pochi grossi giornali."  Animal Liberation Front rifiuta la natura di organizzazione o collettivo e invita chiunque faccia una qualche azione di liberazione animale a firmarsi con la sigla ALF: "L’ALF (Fronte di liberazione degli animali) non è una delle tante associazioni animaliste. Non si inviano somme di denaro per poi ricevere una tessera o una lettera di ringraziamento per ‘aver aiutato gli animali’. Non esistono soci, membri delegati o consigli direttivi che decidono strategie da seguire e organizzano raccolte di firme. ALF è semplicemente una sigla utilizzata da gruppi o individui che praticano l’azione diretta. Dal sasso contro la vetrina di una pellicceria all’introdursi nei laboratori per salvare gli animali da una morte orribile, qualsiasi tipo di azione finalizzata alla liberazione degli animali o ad arrecare danno economico a chi li sfrutta, rientra nella politica dell’ALF. Non esistono gerarchie e i gruppi, che spesso non si conoscono neppure, agiscono spontaneamente e in modo autonomo. Chiunque può essere un attivista dell’ALF, l’unica cosa da fare è… agire."  Si nota come si insista su un’organizzazione di tipo orizzontale fondata sulla cooperazione e sul mutuo aiuto che rimanda, come obiettivo e come ideale, alle comuni anarchiche. In realtà esistono anche esempi di questo tipo di cui si parlerà poco più avanti. Lo stesso volantino dell’ALF radicalizza ancor di più la critica alle istituzioni ed il perché non vengono considerate come efficace agenzia mediatrice: "La causa principale dell’oppressione animale (uomo compreso) è il sistema capitalistico e lo Stato che ne garantisce l’esistenza, tentare di risolvere il problema facendo affidamento sulle istituzioni è completamente inutile, sarebbe come chiedere a chi fabbrica armi di fermare la guerra."  La liberazione di Madre Terra e delle sue creature avviene rivoluzionando anche il proprio consumo che si trasforma in "ecoconsumo". La dieta diventa vegetariana o vegana e si assiste ad un grosso proliferare di informazione sui prodotti, sui loro ingredienti e sulle ditte (comprese le attività collaterali) che li producono. Vengono anche diffusi ricettari vegani o vegetariani e anche guide per potersi curare con erbe e piante. Lo stesso consumismo viene rigettato in quanto principale strumento capitalistico di produzione e, quindi, distruzione. Prima di proseguire è necessaria una precisazione. Per come è stato suddiviso questo paragrafo potrebbe apparire che tali movimenti si siano sviluppati solo recentemente. Questo non è affatto vero: l’ALF, per esempio, si sviluppò in Inghilterra attorno al 1976. Da allora in poi vanta circa un migliaio di azioni l’anno. Earth First! nacque invece negli Usa nel 1980 e si diffuse in Inghilterra dal 1991 in poi. La suddivisione per "stili di vita" è semplicemente una suddivisione di comodo, che permette di analizzarne le peculiarità in modo più agevole ma che rischia di presentare tali controculture come organismi autonomi, chiusi e, peggio ancora, in successione temporale, senza contare che molti degli attivisti di cui si parla in quest’ultima parte sono anche squatter e / o traveller e / o raver. Un'altra necessaria specificazione riguarda la diffusione di tali movimenti che, per ovvi motivi, sfugge una qualsiasi stabile e precisa classificazione, ma soprattutto preme chiarire che non si tratta di movimenti esclusivamente inglesi. La diffusione dell’etica DiY ha toccato moltissimi paesi non solo occidentali. È altresì vero che molte sue "metodologie" sono nate e si sono sviluppate in Gran Bretagna ed è per questo che, soprattutto in un capitolo prevalentemente storico quale questo è, se ne parla spesso. Ritornando sull’argomento un altro importante evento che favorì la politicizzazione di vaste frange della popolazione britannica fu l’introduzione della Poll Tax: "partita dalla Scozia, la protesta si diffuse verso Sud per culminare negli scontri di Trafalgar Square del 1990, finché la tassa alla fine fu tolta (o, meglio, modificata). In realtà, l’effetto di radicalizzazione della promulgazione della Poll Tax è stato duplice. La tassa da un lato mobilitò una vasta parte dell’elettorato contraria alla sua introduzione e, ironia della sorte, aumentò la sfiducia della gente nella politica parlamentare in virtù del legame palese tra il dovere di pagare le tasse e il diritto di voto." Istituita in Scozia nel 1989 e in Inghilterra e nel Galles l’anno seguente, la Poll Tax consisteva in una tassa sugli affitti che, a differenza di quanto avvenuto in passato, non teneva conto del differente livello di reddito dei cittadini, imponendo il medesimo importo per qualsiasi cittadino. Basata su un assunto del partito conservatore che criticava l’idea "socialista" secondo la quale ognuno avrebbe dovuto contribuire alle spese statali in base alle proprie disponibilità, la Poll Tax in realtà colpiva molto duramente il sistema di assistenza sociale inglese tanto da portare molti cittadini a definirla una sorta di Robin Hood al contrario: "La Poll Tax rubava ai poveri per dare ai ricchi". Un altro importante aspetto inerente la sua istituzione consisteva nel fatto che gli elenchi delle persone imponibili erano stilati in base alle liste elettorali. Ciò spinse in quell’anno quasi un milione di persone, per lo più elettorato liberale, ad evitare l’iscrizione in modo da evitare il pagamento di una tassa che non potevano affrontare pur sacrificando il diritto di voto. L’effetto più immediato di tale situazione fu lo sfratto di milioni di persone che non potevano più permettersi l’affitto. Modificata l’anno successivo la Poll Tax provocò la formazione di un movimento di protesta popolare che seppe aggregare oltre 17 milioni di persone. Cooptando strategie di azione diretta, quali occupazioni, sabotaggi e boicottaggi, sviluppate dai movimenti operai in tutto il Novecento, unendole alle strategie ed alle idee ambientaliste radicali di Earth First! e continuando l’opera di collettivi già presenti nella lotta per i diritti animali quali Animal Liberation Front o Hunt Saboteurs, gli "ecoradicali" si affacciano nei primi anni Novanta decisi ad agire piuttosto che aspettare stancamente la perenne inefficacia della mediazione politica.  Vi sono varie visioni dell’azione diretta tutte dipendenti in sostanza dalle convinzioni e dal libero arbitrio degli individui che le applicano. C’è chi si ispira alla Non-Violent Direct Action ammanettandosi ad un bulldozer per impedirgli di proseguire i lavori, per esempio, o chi invece preferisce ritirarsi in una vita lontana dalle istituzioni, oppure c’è anche chi alla prima occasione devasta senza pensarci due volte la sede di una banca. Sempre nei primi Novanta si è sviluppata l’opposizione alla cultura automobilistica e alla costruzione delle strade cui si è già accennato parlando di collettivi quali Critical Mass e Reclaim the Streets o Road Alert! In questo contesto possiamo valutare un’evoluzione del concetto di campeggi pacifisti degli anni Settanta e Ottanta, veri e propri tentativi di ricreare delle comuni di stampo anarchico, che spesso nascevano nei pressi di basi missilistiche per protestare contro la guerra e il nucleare. Nei Novanta il campeggio subisce un’evoluzione: esso diventa di natura stabile e offre casa a chi lo ha fondato e / o ne partecipa alla vita quotidiana. Ma la vera differenza risiede nel suo utilizzo come mezzo per attuare una strategia di protesta e resistenza a lungo termine. "Uno dei primi, forse il primo, certamente il più famoso, segnò il culmine della campagna contro l’estensione dell’autostrada M3 a Twyford Down, nell’Hampshire, dove nel 1992 spuntò una versione accettabile e nuova dei traveller, la Donga Tribe." "La zona dove terminano le alture delle South Downs era considerata area protetta, almeno stando alle designazioni ufficiali: sito di interesse scientifico straordinario, area di eccezionali bellezze naturali con due monumenti antichi catalogati." Ciononostante i lavori cominciarono ma trovarono immediatamente la resistenza di una vasta gamma di gruppi ecoradicali di azione diretta affiancati anche da molte frange di popolazione locale. Donga è un termine Matebele usato per la prima volta nel Diciannovesimo secolo per designare i sentieri medievali che zigzagavano sulle Downs, le colline della zona. Ispirati da una particolare miscela fra paganesimo e azione politica, la tribù dei Donga sviluppò nel proprio accampamento un nuovo linguaggio nonché una propria spiritualità che riprendeva miti celtici, feste per il solstizio e l’equinozio, tribalismo e via dicendo. "Forse i legami ideologici più diretti sono con i movimenti ambientalisti della fine degli anni Sessanta, degli anni Settanta e Ottanta: per esempio il Cnd, Greenpeace e il movimento femminista di Greenham utilizzavano le azioni creative per una causa universale. Le nostre tattiche sono anche state influenzate da Earth First!: salire sugli alberi, arrampicarsi sulle ruspe per bloccarne i lavori eccetera."  La vita nell’accampamento Donga è strettamente legata alla protesta insita nella sua stessa fondazione. All’inizio la protesta fu essenzialmente di stampo pacifico e poco conflittuale volta soprattutto a cercare di far aumentare il più possibile la popolazione nell’accampamento. Un punto di svolta fu il famoso "Mercoledì giallo". Giallo dal colore della divisa delle guardie private, assunte dalla ditta preposta ai lavori, che fecero una vera e propria mattanza (alcune di queste guardie private furono talmente sconvolte dalla violenza dell’azione che si licenziarono e si unirono ai manifestanti per aiutarli a difendersi). A questa giornata di battaglia fece seguito, il giorno successivo, un ulteriore attacco da parte della polizia rimasto noto come "Giovedì nero". Dopo tali avvenimenti parte del gruppo si disperse mentre alcuni rimasero ben decisi a radicalizzare la loro forma di protesta. Cominciarono allora i sabotaggi e ogni tentativo possibile di danneggiamento e rallentamento dei lavori. Nel 1994 i lavori termineranno e la Donga Tribe si trasformerà in una tribù con abitudini nomadi, traveller quindi, e profondamente politicizzata che non smetterà mai di esprimere "(…) la ricerca di un modo di vivere impegnato che non scende a compromessi." "I Donga hanno ridicolizzato l’intero movimento ambientalista britannico, la loro condanna ha smascherato l’ipocrisia del vecchio modo di far politica" Quello della Donga Tribe è solo un esempio fra i molti nel suo genere. Motivati da urgenze politico sociali e dal desiderio di fuggire da uno stile di vita considerato imposto ed alienante, moltissimi individui si sono organizzati in crew, collettivi, tribù o comuni. Vivendo nell’illegalità in aperto contrasto e critica di una legalità considerata assurda e inaccettabile, nonché al servizio dei soli interessi economici, queste sono le nuove forme di espressione di migliaia di individui che reclamano il diritto ad una libertà vera e non imposta dall’alto secondo schemi consumistici. Queste sono le individualità oggetto di questo scritto, queste sono le individualità che animano la cultura del DiY.

FONTI (NOTE) DEL CAPITOLO 1: